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与音乐相遇
西方音乐史总结
整理真的很不易
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谢谢大家啦！！
第一章 古希腊罗马音乐
（公元前12世纪之前------公元前476年）
第一节 古希腊罗马的音乐概况
大约从公元前4000年到公元前1000年间，地球上先后出现了人类最初的文明；两河流域的苏美尔文明、尼罗河流域的埃及文明、黄河流域的中国文明和恒河流域的印度文明。除此之外，在这个时期的地中海一带，也出现了欧洲的第一个高度文明，就是古希腊文明。
音乐在古希腊文化中占据着重要地位。古希腊音乐是诗、乐、舞三位一体的音乐艺术，其中诗的地位在乐之上。当时的音乐是单声部音乐；节奏一般由诗词音节的自然时值来决定，音乐有长短之分，一个长音节时值大约相当于两个短音节，若干音节组合成格律的基本单位音步。
古希腊音乐表演最重要的地点是剧场。在希腊戏剧中，合唱队起着相当大的作用，合唱队通过语言、音乐和舞蹈等方式激起观众的情绪。
第二节 古希腊的音乐
一、 抒情诗歌
古希腊诗歌和音乐是紧密联系在一起的。诗歌的吟诵总伴随着音乐，音乐是为诗歌服务的。
盲诗人荷马汇集整理了小亚细亚民间行吟歌手四处传唱的有关神话英雄的叙事诗篇，写下了不朽之作《伊利亚特》和《奥德赛》，这是古代希腊最早被记录下来的大型史诗，也被叫作荷马史诗。
最早的抒情诗作者有：特尔潘德、提尔泰俄斯、阿西乌时斯、萨福。
【荷马史诗】《荷马史诗》相传是由古希腊盲诗人荷马创作的两部长篇史诗—《伊利亚德》和《奥德赛》的统称，是他根据民间流传的短歌综合编写而成。《荷马史诗》以公元前12世纪—前8世纪的希腊社会状况，采用扬抑抑格六音步诗写作，节奏感强烈，由行吟诗人边弹里尔琴边诵唱，进行口头传播。
【抒情诗】抒情诗是诗歌与音乐相结合的独唱歌曲,形成于公元前8世纪,由抒情诗人自创自唱,诗人即音乐家。一般分为笛歌和琴歌两种,笛歌是用阿夫洛斯管伴奏演唱的诗歌,琴歌是用里尔琴伴奏演唱的诗歌。代表诗人有阿基罗库斯、泰尔潘德阿尔凯奥斯和女诗人萨福等。
二、 古希腊悲剧艺术
【颂歌】颂歌是为重大仪式写作的诗歌,以华美的合唱形式演唱,格律较为自由,唱时伴有舞蹈和乐器演奏。分为太阳神颂歌和酒神颂歌两种,前者用于赞美太阳神,用基萨拉琴伴奏,后者是在酒神节上演唱的狂野的歌舞,用阿夫洛斯管伴奏,是悲剧的前身。创作合唱颂歌的诗达罗斯。
【悲剧】悲剧是古希腊时期戏剧、诗歌、音乐和舞蹈合而为一的综合艺术形式,由酒神颂歌发展而来。古希腊悲剧的含意不在于“悲”,而在于“严肃”,情节严肃,常取材于神话传说和荷马史诗。悲剧的演出,最初由一个演员叙述故事,后发展到三个演员同时登台,用吟诵的“宣叙调”解释剧情,演员面戴假面具,脚穿高底靴,演出中有歌队演唱,用阿夫洛斯管伴奏,在可容纳数万人的半圆形露天剧场演出。埃斯库罗斯、索福克勒斯和欧里庇得斯是著名的三大悲剧作家,经典悲剧剧作有埃斯库罗斯的《被缚的普罗米修斯》和索福克勒斯的《俄狄浦王》。
古希腊最常见的乐器有：
【里拉】里拉是一种较古老的抱弹弦乐器，常用于敬奉太阳神阿波罗的仪式上，也被用来为颂歌或史诗伴奏，琴身音响用龟壳或果壳蒙上牛皮制成，两边竖起框架干。琴弦用动物的肠或腱制成，最初有四根，后增加至七根。里拉一直被视为古老正统的乐器，它的形状一直被当做音乐的象征和标志。
【基萨拉】基萨拉是里拉的加强版，不同的是其尺寸和音量都比里拉大，演奏技巧较复杂，且做工讲究、装饰精致，一般为专业演奏者使用。
【阿夫洛斯管】是簧管乐器，声音比较坚硬，具有穿透力，常用于敬奉酒神狄俄尼索斯，代表着狂野豪放的力量。其构造是将簧片插入木质、骨质或金属管中吹口，管底不封口，管身侧有指孔，两根管排成V型。
【西林克斯】是排箫类乐器，以七根管子为标准样式，一般被看作是乡间牧人的乐器。
第一节 罗马国的音乐及音乐活动
一、 罗马音乐活动
【笑剧】是一种综合性的滑稽表演，可模仿日常生活场面,也可模仿希腊悲剧中的情节,中间插入歌曲和舞蹈,它的娱乐性很强,但品位不高,甚至近乎猥亵。
【哑剧】是一种表现神话故事的戏剧舞蹈、盛大的哑剧表演有时多达三千歌手,三千舞蹈者参加。
【军乐】。军乐同罗马军团的庞大方阵相适应,音乐规模非常宏大。大型的合唱和管弦乐队的人数成百上千。为了适应这种大型化的要求,人们从各民族的乐器中选出铜管乐器和打击乐器用于军乐演奏,使用最多的是大号和水压风琴。
二、 早期的基督教音乐
《米兰敕令》发布以后,罗马本土形成罗马和米兰两个基督教音乐的发展中心。据说罗马教皇西尔维斯特紧随《米兰赦令》之后，在罗马创办了一所教会歌唱学校,专门训练在礼拜仪式上演唱圣咏的歌手。4世纪下半叶, 教皇达玛苏斯听从《圣经》学者圣哲罗姆的意见,起用东方基督教会的仪式音乐专家做顾问,以耶路撒冷的基督教会为榜样,全面组建罗马的仪式制度和圣咏曲目。到了5世纪上半叶,教皇利奥一世确定了一年中每个宗教节日仪式、祷文、经文和圣咏,编成一本《利奥圣礼书》这是已知最早的罗马圣礼书之一。
第二章 中世纪音乐（公元476年---1460年）
第一节 中世纪音乐概况
中世纪,宗教支配着社会意识,宗教音乐占有统治地位,如格里高利圣咏是天主教仪式中重要的圣歌。但世俗音乐仍然不断地渗透到宗教音乐之中。
音乐开始获得复杂的节奏,单音音乐逐渐走向复音音乐,产生了最初的对位法,出现了奥尔加农、狄斯康特、克劳苏拉、孔杜克图斯、经文歌等形式；调式理论的总结,在11世纪有多里亚、弗里几亚、利底亚、混合利底亚及其变体等八种调式,到了16世纪出现了伊奥利亚、爱奥尼亚及其变体;记谱法的出现标志着音乐理论的新发展,9世纪出现了组姆谱,10-12世纪乐谱大多采用一至四线谱,在记谱法方面规多·达莱佐贡献很大;13世纪德国的弗兰科著有《有量歌曲艺术》,开始用音符正确记录音的长度,最后发展成“有量记谱法”;15世纪出现了接近现代的五线谱。乐器种类的增加预示着器乐曲的诞生。在教会以外,世俗音乐获得很大发展,它与教会音乐有明显的区别。在法国出现了“游吟诗人”、在德国出现“恋歌诗人”、“名歌手”,欧洲各地的流浪艺人的音乐活动也十分活跃。
第二节 格里高利圣咏的形成与横向发展（第一阶段）格里哥利圣咏是天主教音乐,它是在公元6世纪由教皇格里哥利一世命名。从公元4世纪开始,天主教成为罗马的国教,广为流传,各地教会竭力推行隆重的祈祷仪式,但各地仪式中的音乐却各不相同,大致可以分为5个派别:①拜占廷圣咏;②安布罗斯圣咏:③法国圣咏;④摩沙拉比圣咏;⑤格里哥利圣咏。虽然在教会初期已有许多教会致力于圣乐的统一工作,力图使之集合于一种礼仪内,但是直到教皇格里哥利一世，他锐意改革天主教会的仪式音乐,在公元599年下令收集东西方教会的一切圣咏,经他拟定,编成一本《对唱歌集》,以供宗教仪式之用,其中包含有600多首圣咏。由他颁定的圣咏,被称为格里哥利圣咏(亦译素歌或平歌)。格里哥利圣咏的基本功能是服从宗教礼拜活动,音乐肃穆、节制,最大限度地排除世俗的感性欲念。它是无伴奏的纯男声歌唱的单声部音乐形式,以拉丁文为歌词,即兴式而无明显节拍特征,建立在单纯的自然音阶基础之上。其旋律音调平缓,以级进和三度进行为主,偶有四、五度跳进,整个音乐音域较窄。它的歌唱方式有4种:独唱、齐唱、交替歌唱、应答歌唱,各种歌唱方式根据礼拜进行的不同场合决定。格里哥利圣咏主要运用于日课,（这是修道院僧人每天必做“功课”)和弥撒（天主教、基督教为纪念耶稣受难而举行的仪式)之中。到公元1世纪时,除了米兰和西班牙外,欧洲其他地区都接纳它为仪礼中的圣歌。
【格里高利圣咏】罗马教会圣咏,俗称“格里高利圣咏”或“格里高利素歌”,是中世纪天主教会音乐最重要的体裁,它是无固定节拍、无伴奏的单声部歌曲,歌词来自于《圣经》,由教堂唱诗班以拉丁文演唱,在日课和弥撒仪式中应用。附加段、继叙咏和教仪剧,是圣咏的衍生物,在9世纪以后得到发展。
【附加段】附加段是中世纪时在原有格里哥利圣咏的基础上进行附加或插入的新材料,形成圣咏的扩展。附加段常用于日课中的交替圣歌、应答圣歌等部分,以及常规弥撒的某些部分。
【继叙永】继叙咏是9世纪时在弥撒中的“哈利路亚”后,在其花唱旋律上附加歌词,最后脱离哈里路亚而成为一个独立的形式。
第三节 格里高利圣咏的纵向发展（第二阶段）
奥尔加农是9世纪至14世纪的复调音乐形式,根据其历史发展,可分3种类型:1.平行奥尔加农。它是在格里哥利圣咏的上方或下方附加一个平行声部,构成四度、五度、八度音程的平行进行。2.稍加变化的平行奥尔加农。它的两个声部从同度开始,其中一声部上行进行,到两声部构成四度时,再平行进行,最后两声部再回到同度。3.华丽的奥尔加农。大约在12世纪,奥尔加农的上声部越来越表现出流动性和装饰性,形成花唱式的华丽奥尔加农,它没有明显的节拍特征,活跃、华丽的上声部与下方缓慢、静止的圣咏声部形成鲜明对比。
【奥尔加农】中世纪最早的复调音乐形式和作曲手法,约见于公元10世纪的音乐记载中。在格里高利圣咏的上方写作平行四度或五度的声部形成复调形式,由最初的“平行奥尔加农”“反向和斜向的奥尔加农”,发展到带花唱的“华丽奥尔加农”及有节奏模式的“有量奥尔加农”。
狄斯康特是中世纪复调音乐形式。其在不同时期有不同的含义,主要有:1.常被拼成用以指12世纪多声部作品,即所谓奥尔加农。2.指由一位歌唱者用即兴方式演唱一个声部,同时一个不是即兴的声部由另一位歌唱者演唱。3多声部音乐创作中,运用音对音的织体形态,运用节奏模式,使乐曲整体上显示出分句的结构特征,这与奥尔加农即兴式的松散结构有很大区别(而此种含义常常为教科书所采用)。此外,也还有其他不同的概念含义。总之,狄斯康特是一个使人迷惑的名词。
【狄斯康特】迪斯康特是中世纪盛期奥尔加农发展到一定阶段形成的复调形式,通常指在已有旋律上作即兴对位的手法。13-14世纪时,迪斯康特尤指高声部以相似的有量节奏对位定旋律进行的复调风格,其低声部是带有节奏模式的旋律,高声部与定旋律声部形成一音对一音的风格,但它们旋律进行之间的关系主要是反向的。
【经文诗】形成于13世纪的多声部复调音乐体裁,在克劳苏拉的基础上形成。通常为三声部,低音固定调采用格里高利圣咏曲调,拉丁文演唱,上方第二和第三声部自由创作,用法语演唱宗教或世俗内容歌词。13世纪经文歌的代表作曲家有佩罗坦、弗朗科等,14世纪等节奏经文歌的大师为维特里和马肖。
【孔杜克图斯】孔杜克图斯是流行于12-13世纪的一种单声部或复调拉丁文歌曲体栽。复调孔杜克图斯常见为三声部,声部写作较为简单,和声主要由协和音程八度、五度和四度构成,所有声部几乎是以同样的节奏进行。孔杜克图斯与同时期其他复调音乐最大的区别在于:其定旋律声部往往不采用教堂圣咏旋律,而是新创作的。孔杜克图斯在巴黎圣母院乐派作曲家的创作中占有重要的地位,至13世纪末叶,孔杜克图斯逐渐被经文歌所取代。
【巴黎圣母院乐派】巴黎圣母院是12-13世纪欧洲教堂音乐中心，发展复调音乐的重要基地，聚集了大批出色的作曲家，是这一时期的欧洲复调音乐臻于登峰造极的境地。莱奥南和佩罗坦是巴黎圣母院乐派仅有的留下名字的两位巨匠，前者被称为“最伟大的奥尔加农作曲家”，后者则有“最杰出的狄斯康特作曲家”。
第四节中世纪音乐理论和世俗音乐
【游吟诗人】中世纪的贵族阶层诗人音乐家,发源于法国普罗旺斯地区,南部游吟诗人称为“特罗巴杜尔”,北部游吟诗人称为“特伦威尔”。他们写作单声部世俗诗歌,内容常是爱情、时事评判和英雄史诗,运用田园恋歌、破晓歌、挽歌、维勒菜、回旋歌、叙事歌等体裁写作。德国的游吟诗人称为“恋诗歌手”。
【恋歌诗人】恋歌诗人（也有译为恋歌歌手)是大约12-14世纪产生于德国的、受法国游吟诗人影响而四处游吟奏乐的贵族骑士。因为他们大多演唱爱情歌曲，而被称为恋歌诗人,与游吟诗人一样,他们常亲自演唱自己创作的歌曲,乐曲多采用爱奥尼亚调,两拍子或四拍子的节奏较多。
【流浪艺人】流浪艺人是浪迹四方的音乐和杂技表演者。他们地位低下,无定居、无法律约束,常聚在一起,走遍欧洲。后来才稍有组织。他们的音乐多属于即兴性质,但也因此而能更纯真地表现出与生俱来的音乐。德国的“高克勒”、法国的“戎格勒”,英国的“吉格勒”和“格里曼”都是这种流浪艺人。
第五节 14世纪新艺术时期的音乐（第三阶段）
【新艺术】“新艺术”最初是法国作曲家和诗人维特里于1320年所写论文的标题,论文记录了当时欧洲音乐发展的最新成果:相对于“古艺术”时期的有量音乐三分法,音值二分法已被接受并实践,引人二分音符,确定三、六度音程的协和性,强调半音的表情意义,“等节奏经文歌”的运用等。当时的理论家用“新艺术”这一术语来称呼14世纪在法国处于巅峰的新音乐,与13世纪的“古艺术”相对,现用来指代整个14世纪的欧洲音乐艺术。法国的马肖和意大利的兰迪尼是欧洲新艺术时期的代表作曲家。
第三章文艺复兴时期的音乐
（公元1430年前后---1600年前后）
第一节 文艺复兴时期的音乐概况
按照西方音乐史的习惯,文艺复兴时期专指从140年前后至1600年前后这一历史时期。文艺复兴思潮对欧洲的音乐文化的发展起到了巨大的推动作用。这一时期的音乐冲破了中世纪音乐理论的约束,获得了多方面的“解放”。世俗音乐发展很快,16世纪,已经是世俗音乐和宗教音乐平衡发展的年代。世俗音乐在法、德、英、意等国都很兴盛,影响较大的是法国歌谣曲、意大利牧歌等。这一时期,音乐的表现力大大提高,词曲之间新的结合关系出现:器乐的独立性大大加强;复调音乐逐渐趋向高峰,并且促成了和声风格的形成:摆脱了旧的调式体系,逐渐融合成现在的大小调体系。勃艮第乐派、法国一佛莱芒乐派(即尼德兰乐派)、罗马乐派、威尼斯乐派都是重要的音乐流派。
第二节 文艺复兴早期到法国-弗兰德乐派
勃艮第乐派是文艺复兴时期在法国北部、比利时和荷兰地区的勃艮第公国的乐派。勃艮第王朝在11世纪已存在,大约在1400年扩展到法国北部、比利时的一部分和荷兰。勃艮第乐派的作曲家吸收了英国、意大利音乐的因素,与法国复调音乐传统结合起来,创造出一种自然、柔和、明亮的音乐。从音乐形态上看,勃艮第乐派有以下音乐特征:①三声部的复调乐曲较常见:②旋律和节奏的发展集中在高声部:③旋律的进行常以三度音程来进行;④假低音的技巧(即三度和六度平行进行)常被采用;⑤乐曲的各声部常用和弦法处理,而不常用对位化处理:⑥兰第尼终止更为普遍地采用;⑦少有固定调作持续调。
勃艮第乐派以其优美、细腻、华丽、偏重于世俗音乐的创作,对法国一佛莱芒乐派产生了极大的影响。
【勃艮第乐派】15世纪上半叶,第戎的勃艮第宫廷是文艺复兴时期欧洲的音乐文化中心,通常认为,文艺复兴音乐发源于此。勃艮第的辖境相当于今天的法国东北部、比利时、荷兰和卢森堡等地,聚集了大批优秀的作曲家和歌手,创作和演唱法语世俗复调歌曲。勃艮第乐派作曲家中最重要的人物是C.迪费和G.班舒瓦。
【弗兰德乐派】15世纪中叶文艺复兴时期欧洲最重要的音乐流派。相当于现在部分荷兰、比利时和法国北部地区的佛兰德地区,培养了大批杰出的音乐家,在教堂唱诗班或王公贵族的宫廷中服务,影响遍及全欧。佛兰德乐派作曲家的主要创作,在宗教领域集中于弥撒曲和经文歌,在世俗领域集中于意大利的牧歌、法国的尚松和德国的利德,他们运用高度发展的模仿复调技术、无伴奏合唱织体以及用音乐描绘特定歌词形象的“绘词法”,成就了文艺复兴音乐的高峰。佛兰德作曲家的代表为奥克冈、若斯坎,德·普雷、奥布雷赫特、伊萨克和拉索,其中,拉索是文艺复兴音乐的集大成者。
【若斯坎·德·普雷】文艺复兴时期佛兰德乐派作曲家。创作数量较多,主要有弥撒曲、经文歌和尚松。他的弥撒曲创作反映了当时弥撒曲的各种作曲技法,既有基于素歌旋律或世俗曲调的“定旋律弥撒”,如《武装的人弥撒曲》,也有大段借用已有旋律的“模拟弥撒”,如《圣母弥撒曲》,这种弥撒曲成为16世纪的弥撒曲主要类型。若斯坎注重用音乐细致地表现出歌词意境,站在时代的前列。
【拉索】文艺复兴时期佛兰德乐派最后一位作曲家代表,文艺复兴音乐的集大成者。创作极为多产,留存超过2000部音乐作品,包括弥撒曲、经文歌牧歌、尚松、利德、圣母颂歌、诗篇歌、赞美诗等。他的弥撒曲多为大段借用宗教或世俗旋律的“模拟弥撒”,包含了经文歌牧歌和尚松的音乐特征;经文歌显示了他多样化的表现手法,《西比尔的预言》甚至使用了半音化风格;他的牧歌、尚松和利德选材广泛、风格迥异，极富表现力。音乐技法上,拉索将复调织体与主调手法相结合,其和声思维远远走在时代前列。
第三节 16世纪宗教改革和反宗教改革的音乐
罗马乐派是16世纪以罗马的圣彼得教堂和教廷礼拜堂为中心的乐派。在那里聚集一批作曲家、歌唱家,从事复调声乐的创作,使复调声乐技巧达到一个很高的水平,这些作曲家被称作“罗马乐派”。其最早的代表作曲家是高斯登索·菲斯大；最具代表性的作曲家是乔凡尼·皮埃路伊基,但常因他的出生地而被人称为帕勒斯特里那。帕勒斯特里那把法国一佛莱芒乐派的复调技巧发展到顶峰,并结束了这个时代。
【罗马乐派】16世纪下半叶在意大利罗马形成的音乐流派,创作观念上提倡写作声部清晰、音响纯净的传统天主教音乐,反对宗教改革的新教音乐成就,发展了“无伴奏合唱”的多声部合唱音乐风格。代表人物主要是意大利的帕莱斯特里纳和西班牙的维托里亚,他们的创作集中于弥撒曲和经文歌等体裁,风格庄重、声部均衡,帕莱斯特里纳的《马切鲁斯教皇弥撒曲》为著名代表作。
第一节 巴洛克音乐概况
巴洛克这一名词在音乐史上是用来代表16世纪末至18世纪中叶这段时期的音乐。它更多的是指建筑、美术等艺术风格,巴洛克音乐上便是指深受这种风格影响的音乐。巴洛克音乐有一种宏伟、壮观、热情如火、充满活力的音乐,它强调情感的表现和充满戏剧性的对比,在细节上又非常重视装饰性。巴洛克时期的音乐可分为早期、中期和晚期三个阶段:早期(1600-1640)是巴洛克风格形成期；中期(1640-1690)是巴洛克风格定型期；晚期(1690-1750)为巴洛克盛行期。此时巴赫与亨德尔将百年来的音乐推向辉煌的顶点。巴洛克音乐风格有其显著的特点：（1）在对位法上,复调音乐达到全盛,并向主调风格上有了较大的转移。（2）在和声上,数字低音的使用,导致了和声学的诞生,正格终止取代了调性终止式,半音和声使用得更为广泛,转调更自由,不协和音的引入、处理也较大胆。 (3）在调性上,大小调取代了中古调式。（4）音乐术语上,出现了指示乐曲速度或表情的术语。（5）即兴演奏比任何一个时代都更有特点,在装饰曲调、变化主题、终止式以及对位的处理上,都更自由、深刻。 (6）在音乐体裁方面,出现了歌剧、清唱剧、康塔塔、受难曲、协奏曲、大协奏曲、奏鸣曲、组曲、赋格曲等等新的音乐体裁。巴洛克时期的著名音乐家很多,如意大利的D·斯卡拉蒂、科莱里、维瓦尔蒂：德国的库瑙、泰勒曼；法国的商蓬涅尔、库泊兰；而代表巴洛克时期最高成就的当数J.S.巴赫和亨德尔。
第二节 歌剧的产生及早期的发展
一、早期的意大利歌剧
【罗马的歌剧】产生于17世纪初的30年内,巴尔第和卡瓦列里是这种歌剧的建树者,后者著有《灵与肉的体现》,其旋律纯朴,有布景和乐队伴奏。罗马歌剧着重于宗教题材,而非希腊神话,音乐上常常有诙谐、滑稽的喜剧插段,被视为后来喜歌剧的前身,这些都是有别于其他地区歌剧的特征。
【威尼斯歌剧】在17世纪中叶以前很快便在意大利获得歌剧的主导地位,直至17世纪末期。1637年,在威尼斯出现了第一座歌剧院--圣卡西亚诺，加速了威尼斯歌剧的发展。威尼斯歌剧与其他地区的歌剧相比,有许多特殊的地方:特别重视抒情调形式,开始采用美声唱法,合唱与管弦乐使用较少,戏剧情节复杂且多无根据,用简短的器乐曲作导奏,形成了序曲的前驱。威尼斯歌剧的重要代表人物有蒙特威尔第,他写过许多歌谣曲、牧歌和经文歌,他的第一部歌剧《奥菲欧》于1607年上演。
【拿波里（也译为那不勒斯）歌剧】代表作曲家是亚历山大·斯卡拉蒂(1660-1725),他反对威尼斯歌剧的浮华的东西,集中发展了音乐在歌剧中的抒情作用,音乐的目的只在于把剧中人的最强烈的感情通过音乐的概括表达出来,而不在于描写他们的动作、情节和戏剧冲突。因此,音乐只反映歌词中的抒情的顶点,而不反映其感情发展的全部过程,通过音乐的概括,音乐本身就可以表达爱情、嫉妒、仇恨、悠闲等感情。
二、早期的法国歌曲
法国歌剧的最早代表作曲家是吕利,他的歌剧题材一般选自历史、神话,内容多表现忠君爱国的天职与个人情感的冲突矛盾。其歌剧序曲为慢一快一慢三部分。他受法国古典悲剧朗诵音调的启发,将意大利歌剧宣叙调进行调整,使它适合于法国的语言和诗歌的音韵,他创作的宣叙调带有歌唱性,而咏叹调则带有朗诵性,他重视合唱及管弦乐队的作用,并在歌剧中插入表现幻境的芭蕾舞场面。他的代表作有《阿尔且斯特》、《爱神与酒神的欢宴》等。在吕利以后的一段时间内,法国歌剧有所衰落,直至拉摩出现,法国歌剧才真正向前迈进了一大步。拉摩起初只是位管风琴家、理论家和宗教音乐作曲家。他于1722年发表《和声学教程》,建立起和声学的理论基础。他50岁才开始写歌剧,但一举成名。他常不遵守法国歌剧传统的作风在他的歌剧中以和声处理的清晰、完整见长。他常常打破传统的法则,使用减七和弦、二度音程,使用远关系转调。他重视歌剧中的合唱,乐曲虽然仍以对位法为原则,但他特点注重音响的和声化处理,管弦乐也比吕利更为出色,舞蹈音乐常常占有重要地位。拉摩共创作20多部歌剧,如《卡斯托与波鲁》、《亥贝的节宴》、《平凡的人》等,他是吕利之后法国最伟大的作曲家之一。
三、早期的英国歌剧
在16世纪英国流行一种“假面剧”,它是一种宫廷内娱乐性的话剧,题材多属神秘性和寓言性。“假面剧”有歌唱、诵诗、舞蹈、合唱和器乐曲,也有朗诵调,演出时带假面具。而真正成为歌剧、且以英文写作的歌剧的第一部为布鲁所作的《威留斯和阿多尼斯》但是,这部歌剧显然是深受法国和意大利歌剧的影响。
真正把英国的歌剧写成民族歌剧的当数普塞尔,他最初致为于宗教音乐的创作,后来投身歌剧的创作。他的歌剧在声乐方面与意大利歌剧有许多共同的特点,在器乐方面和法国歌剧有相通之处,但是普塞尔的创作又与英国的民歌紧密相连。他的代表作是《狄东与伊尼》其音乐朴实而深刻,不求炫人耳目,而是鲜明地描绘剧中的环境,细致地表达剧中人的心理与感情,普塞尔之后,英国乐坛经历了近200年的沉寂,直到20世纪才重新崛起。
第三节 其他大型声乐体裁
【宣叙调】大型声乐戏剧中的一种歌唱方式,音调和节奏都与语言紧密结合,又称“朗诵调”,16世纪末起源于佛罗伦萨作曲家佩里的歌剧,17世纪以后广泛用于歌剧、清唱剧、康塔塔和其他教堂声乐中。18世纪后,宣叙调分为“清宣叙调”和“有伴奏宣叙调”两种,前者节奏自由快速,以键盘乐器简单伴奏,后者富于表情,用管弦乐队伴奏。
【咏叹调】歌唱性很强、有完整结构的声乐曲,为一个或几个声部写作。17世纪以后,咏叹调专指独唱曲,广泛用于歌剧、清唱剧和康塔塔等体裁中,相对朗诵性质的宣叙调,咏叹调受到极大的欢迎,以至于18世纪初,咏叹调在声乐戏剧中占据主导地位,除了结构逐渐程式化、产生“返始咏叹调”外,成为充分发挥演唱者声乐技巧的段落。
【正歌剧】是内容严肃的歌剧,分为三幕,它起源于17世纪末的意大利,盛行于18世纪欧洲各国,其题材多取自古代神话和历史传说,音乐以意大利式的序曲开场,由表现复亲情节的宣叙调和富有激情的返始咏叹调交替,极少使用重唱,无合唱和芭蕾舞场面。
清唱剧是17世纪产生的一种大型声乐体裁,它最初是一种宗教题材的音乐剧固此也有人称它“神剧”,后来也多有世俗题材,故不能称为“神剧”了,在音乐形式上,它与歌剧相似:包含宣叙调、咏叹调、重唱、合唱,也是主调音乐的范畴。所不同的是仅仅让人们通过听觉而不是用视觉来感受戏剧事件的过程。可以说它是只唱不演的戏剧,清唱剧实际上分为两种:一是使用拉丁文的清唱剧,以《圣经》为题材,属于宗教音乐,成为“拉丁清唱剧”:二是使用意大利文的清唱剧,其取材自由,不局限于《圣经》题材,称为通俗清唱剧,到了17世纪后半叶,前者消失了使拉丁清唱剧产生很大影响的是卡里西米,他写了许多清唱剧,如《耶弗塔》、《所罗门的审判》等。清唱剧产生在意大利,后逐渐影响的国外,而且主要盛行的是通俗清唱剧。
【清唱剧】由宣叙调、咏叹调、重唱与合唱组成的宗教声乐套曲,16世纪末诞生在教堂的祈祷厅里,采用宗教题材,用拉丁语或意大利语演唱。罗马作曲家卡瓦里埃利于1600年写作的《灵魂与内体的表现》常被称作第一部清唱剧,卡里西米为现代清唱剧的形式确立做出重要贡献,亨德尔创作了大量优秀的清唱剧,代表作有《以色列人在埃及》《弥赛亚》和《犹大·马加比》。
【受难曲】根据《圣经》中四部福音书关于耶稣受难的记述而谱写的音乐体裁,形成于4世纪,巴洛克时期的受难曲呈现“清唱剧受难曲”的特点,在德国发展蓬勃,泰勒曼、马特松等人都创作过此类作品,最杰出的代表作是巴赫的《马太受难曲》。
【康塔塔】由宣叙调、咏叹调、重唱组成的歌曲套曲,诞生在17世纪初的意大利,最初是在室内演唱的世俗单声部歌曲,由几组宣叙调和咏叹调交替,独唱为主。康塔塔传人德国后,成为路德派教堂音乐的重要形式,大量运用众赞歌写作,泰勒曼和巴赫都创作了路德教堂康塔塔年集。
【抒情悲剧】17世纪法国作曲家吕利创作的歌剧类型,多根据悲剧大师高乃依及歌剧脚本作家泽诺的悲剧谱写而成,融合了独唱宣叙调和咏叹调、合唱以及芭蕾,代表作有《伊西斯》《阿西斯与加拉蒂亚》等。
【单声歌曲】单声歌曲是17世纪上半叶在意大利出现的一种带通奏低单伴奏的独唱世俗歌曲的总称。
第四节器乐音乐的发展
16世纪的奏鸣曲泛指一切乐曲,到了17世纪初,奏鸣曲分三重奏鸣曲和独奏奏鸣曲两类。三重奏鸣曲一般是两个小提琴和一个通奏低音的器乐合奏；独奏奏鸣曲一般是以键盘乐器为主，也有以小提琴独奏,加上通奏低音的。
乐奏鸣曲以其使用场合,又分为教堂赛鸣曲和室内奏鸣曲两种。前者比较严肃,多用于宗教仪式，多为四个乐章,是古典奏鸣曲的前身；后者是舞曲风格,常常在宫廷和私人客厅中演奏,由四至六个乐章组成,是古典组曲的前身。
【前奏曲】一种序引性乐曲。15-16世纪时产生在管风琴、琉特琴或维吉那琴的创作领域,是即兴演奏的乐曲,用来试奏乐器活动手指和为正式进入的乐曲做准备。17世纪以后,前奏曲发展成为有完整形式的小型器乐曲,多由键盘乐器演奏,被置于赋格、组曲、奏鸣曲之前,作为序引。
【幻想曲】指自由发挥作曲家的想象力、较少遵循传统曲式的乐曲。起源于16世纪即兴演奏的传统,在17世纪上半叶时接近利切卡尔、坎佐纳和随想曲。18世纪以后,幻想曲在古钢琴和管风琴领域获得广泛运用,呈现复调和主调风格交替的特点,巴赫的《d小调半音阶幻想曲与赋格》是巴洛克时期幻想曲创作的范例。
【创意曲】充满想象力的原创性乐曲通常指巴洛克时期的一种复调钢琴小的,根据某一主题即兴发展而成,类似小赋格曲。16世纪法国作曲雅内就最早使用“创意曲”一词称呼他的法语世俗单声部尚松,1723年巴赫将为其长子写作的小型复调乐曲命名为“创意曲”,包含15首二声部和15首三声部的对位乐曲,是该体裁的典范作品。
巴洛克时期的协奏曲协奏曲最早产生于17世纪末,是巴洛克时期最重要的器乐形式。早期的协奏曲分为三种类型:(1)乐队协奏曲或协奏交响曲或它是一种多乐章的乐队曲,其中全部乐器的合奏常常和某种发挥华丽技巧乐器相照应。(2大协奏曲:它是以小组乐器和大组乐器的对比竟奏。小组乐器包括三重奏鸣曲所使用的乐器(两只小提琴和通奏底音乐器),大组乐器主要是弦乐器,有时也有小号、双簧管,长笛、圆号等,这种体裁源于意大利作曲家斯特拉德拉的《多乐章交响曲》。而托雷利奠定了三个乐章的形式---两端是赋格式的快板,中间由两个相拟的慢板镶嵌一个简短的快板。维瓦尔蒂的大协奏曲采用更加精练的乐章形式---快板乐章之后是同调或近关系调上的慢板,然后是比第一乐章简短而更生动活泼的另一快板。(3)独奏协奏曲:它是一件独奏乐器同乐队协奏。其创始人为意大利作曲家阿尔比诺尼(1671-1750),早期的独奏乐器为小提琴,托雷利奠定了小提琴协奏曲“快一慢一快”的三乐章形式,而维瓦尔蒂的许多小提琴协奏曲中充分发挥了独奏乐器的作用,成为后来古典小提琴协奏曲的楷模。
【大协奏曲】巴洛克时期最主要的协奏曲形式,由小组乐器和大组乐器对比竞奏,小组由两件独奏乐器和两件通奏乐器构成,称为“主奏部”,大组包含当时所有的弦乐器和部分管乐器,称为“合奏部”。意大利作曲家科雷利是大协奏曲的创导者之一,作有12首大协奏曲。
【乐队协奏曲】巴洛克时期的协奏曲形式,由乐队演奏的协奏曲,没有独奏部分或任何附属的部分,托雷利1692年写作的6首乐队协奏曲开此体裁先河,1720年后逐渐与早期交响曲的发展合流。巴赫《勃兰登堡协奏曲》的第3首和第6首是出色的乐队协奏曲。
【独奏协奏曲】巴洛克晚期出现但沿用至今的协奏曲类型,由一件独奏乐器和管弦乐队相互竞奏,小提琴是当时最常见的独奏乐器。1698年托雷利写作了最早的独奏协奏曲,并开创快一慢一快三乐章的协奏曲套曲形式。巴洛克时期最多产的独奏协奏曲作曲家是意大利小提琴家维瓦尔第。
【三重奏鸣曲】巴洛克时期室内器乐音乐最主要的体截之一,由四件乐器构成三个声部，常用两把小提琴构成旋律的两个不同声部,两件通奏低音乐器演奏同一声部。科雷利对三重奏鸣曲形式的确立和发展起了决定作用。
【教堂奏鸣曲】巴洛克时期的器乐合奏音乐体裁。通常由一两件独奏乐器加上通奏低音组构成,小提琴是最常见的独奏乐器。因在教堂中演奏而得名,音乐庄重典雅,四个乐章的速度对比为“慢一快一慢一快”,原则上不能出现世俗舞曲,科雷利称呼他于1683年和1689年写作的两套奏鸣曲为“教堂奏鸣曲”。
【室内奏鸣曲】巴洛克时期的器乐合奏音乐体裁。通常由一两件独奏乐器加上通奏低音组构成,小提琴是最常见的独奏乐器。室内奏鸣曲由一系列世俗舞曲组成,如加沃特、库朗特、萨拉班德、吉格等,风格明朗活泼,在王室宫廷和贵族府邸演奏,科雷利的奏鸣曲Op2和Op4是室内奏鸣曲的范例。
【独奏奏鸣曲】巴洛克时期的器乐合奏音乐体裁。由一件独奏乐器加上两件通奏低音乐器构成,独奏乐器可以是小提琴、大提琴、双簧管或者大管。科雷利于1700年创作的12首独奏奏鸣曲(Op.5)是该体裁的典范。
【众赞歌前奏曲】17世纪根据路德宗赞美诗旋律而作的管风琴曲的统称。在路道教堂的礼仪音乐开始之前,管风琴师演奏一遍众赞歌曲调作为前奏，可有多种处理方式,或将曲调作为定旋律写作对位,或进行赋格式处理或加以装饰扩展,或作为主题进行变奏等。代表作曲家有：布克斯特胡德、帕赫贝尔、伯姆、JS.巴赫等。
【意大利序曲】意大利歌剧作曲A.斯卡拉第于1680年前后创立的序曲,常置于声乐戏剧之前,作为器乐序奏,称为“辛弗尼亚”,由“快一慢一快”三段组成,是交响曲的直接前身。
【法国序曲】17世纪在歌剧、清唱剧和芭蕾舞剧之前演奏的器乐曲,由“慢快一馒”三段组成,一般包括一个庄严缓慢的附点节奏段落,继以一个模仿风格的快速段落,最终以快速段结束。法国序曲由法国歌剧作曲家吕利创用。
【古钢琴】盛行于文艺复兴和巴洛克时期的键盘乐器种类的统称,通常有楔槌键琴和羽管键琴两种。楔槌键琴用铜楔击弦发音,又称“击弦古钢琴”,形制较小,音量有限,适合室内演奏;羽管键琴用羽管拨弦发音,又称“拨弦古钢琴”,形制大型,多有两层键盘,发音洪亮,音色清脆,在巴洛克时期常担任通奏低音乐器。古钢琴在18世纪晚期逐步被近代钢琴所取代。
【赋格】在一个主题上形成的多声部模仿对位体裁。其结构因素包括:主题、答题、对题、间插段、呈示部、展开部、再现部,主题是赋格中最早进入的声部,对主题的模仿进入称为答题,每次伴随主题或答题出现并与之形成对位的声部称为对题,赋格就是由主题的多次进入及其对位声部构成,变化主题的手法有增值、减值、倒影、逆行、密接和应等,并有相应的调性和声布局。赋格起源于15世纪末复调声乐曲中的旋律模仿进入作为独立的器乐体裁成型于17世纪,是复调音乐成熟的产物，在巴赫和亨德尔等作曲家的创作中获得完美的发展。
【组曲】1750年前后指一组用同一调性写作的舞曲乐章,其前身是16世纪琉特琴或键盘乐器中成对或成组的舞曲。德国作曲家弗洛贝格尔确立了阿勒曼德一库朗特一萨拉班德和基格四乐章舞曲组曲的体裁形式,对巴赫和亨德尔的键盘组曲有极大影响。法国作曲家库泊兰的羽管键琴组曲包含8-15首小曲,多带有描绘性标题,如“恋爱中的夜莺”“蒙妮卡姐妹”等。
第五节 巴洛克的作曲家
【多·斯卡拉蒂】，巴洛克时期意大利作曲家、演奏家,他是A·斯卡拉蒂的儿子。他在古钢琴音乐创作与演奏方面,有较大的贡献。他的作品最著名的是奏鸣曲,他称为练习曲，都表现艰深快速的乐句、分割的和弦等效果,其中也使用了些创新的效果,最显著的是双手交叉的奏法。他共作有555首奏鸣曲,每一 首 都解决一种技巧上的问题,或发明一种音响上的效果。另外还作有12部歌剧、50部清唱剧以及其他圣乐。
【科莱里】是巴洛克时期意大利著名的小提琴演奏家、作曲家、指挥家,曾作有许多三重奏鸣曲和大协奏曲等作品。
【塔蒂尼】是巴洛克末期和古典主义前期的、也是历史上最伟大的意大利小提琴家之一。他作有150多首小提琴奏鸣曲、140多首协奏曲、50首三重奏等。他的小提琴奏鸣曲《魔鬼的颤音》技巧高深,至今都为小提琴家所珍爱。
【商蓬涅尔】是17世纪法国古钢琴音乐的重要代表人物，其古钢琴音乐具有纤细的风格,显然受到宫廷芭蕾音乐的影响。
【J·库泊兰】是巴洛克时期法国古钢琴音乐的重要代表人物,他写过许多带标题的、非组曲结构的小品,立意鲜明,其风格清新流畅,带有法国宫廷艺术的典雅细腻、精美、灵巧的趣味。其代表作有《莫尼克小姐》、《收割者》、《蝴螺》等。
【蒙特威尔第】16世纪末至17世纪上半叶的意大利作曲家,1590年起供职于曼图亚公爵府,1613年起任职于威尼斯圣马可大教堂,是威尼斯歌剧乐派的奠基人,完整留存歌剧作品《奥菲欧》《尤利西斯返乡记》和《波佩亚的加冕》,确定歌剧中独唱与合唱、主调与复调、声乐与器乐之间的比例关系,强调以音乐手段表达人的情感,创立“激情风格”,并在器乐中采用弦乐的震音和拨弦等新手法。所作世俗声乐作品包括9卷牧歌,努力深化音乐的表现力,运用了大量背离传统的手法,走在了时代的前列。蒙特威尔第在继承文艺复兴音乐成果的同时开创了巴洛克新的声乐和器乐风格。
【A.斯卡拉蒂】巴洛克时期意大利作曲家,为正歌剧形式的定型做出重要贡献创用返始咏叹调、将宣叙调细分为清宣叙调和带伴奏宣叙调,采用的快一慢一快三段式的歌剧序曲,都成为意大利正歌剧标志性的特点。极为多产,除了115部歌剧外,尚作有150首清唱剧、600首康塔塔、大量教堂音乐和器乐作品,《米特里达特·尤帕托雷》为其歌剧的顶峰之作。
【吕利】巴洛克时期法籍意大利作曲家,1664年始与莫里哀合作一系列芭蕾戏剧,如《贵人迷》,70年代以后与台本作家基诺联合创作“抒情悲剧”,成为法国歌剧的创始人,他改变意式宣叙调,减弱咏叹调的作用,突出合唱队和芭蕾舞的地位,并创立慢一快一慢的法国歌剧序曲模式代表作有《卡德莫斯与埃尔米奥纳)《阿西斯与加拉蒂亚》等。
【拉莫】巴洛克时期法国作曲家、羽管键琴家和音乐理论家。1722年出版《和声基本原理》,为现代和声理论奠定基础；1741年出版《羽管键琴音乐会集),50岁以《伊波利特与阿里西埃》开始其歌剧事业,成为继吕利之后最重要的法国歌剧作曲家,主要的舞台作品还有歌剧一芭蕾《华丽的印度》。
【普塞尔】巴洛克时期英国最伟大的作曲家,作有各种音乐种类:教堂音乐、戏剧音乐、宫廷颂歌、键盘音乐和室内音乐,所作戏剧音乐多为戏剧配乐和半歌剧,如《阿瑟王》《仙后》等,唯一的歌剧作品《迪多与埃涅阿期》受到意大利和法国歌剧的影响,同时又具有突出的英国特色。
【F.库泊兰】17-19世纪法国键盘乐音乐世家中最著名者,世称“大库泊兰”,生前在凡尔赛宫任皇家管风琴师,创作了键盘乐曲、器乐重奏及教堂声乐。他的200多首羽管键琴曲组合成27套组曲,技巧娴熟、精致动人,部分有引人入胜的标题,如“恋爱中的夜莺”,他还写作了最早的论述演奏法的理论书《羽管键琴演奏艺术》。
【科雷利】巴洛克时期意大利小提琴家和作曲家,学于博洛尼亚,后半生服务于罗马的红衣主教。他是意大利小提琴学派的创始人和近代小提琴演奏艺术的奠基人,创作虽不多,共72部作品,但他的三重奏鸣曲和大协奏曲,为巴赫和亨德尔等人的奏鸣曲和协奏曲创作打下重要基础。
【布克斯特胡德】巴洛克时期丹麦作曲家和管风琴家,对17-18世纪德国北部的管风琴音乐影响巨大。主要以教堂音乐闻名,作有弥撒曲、康塔塔、圣母颂歌等管风琴曲是他最重要的器乐创作,大量运用众赞歌前奏曲、托卡塔与赋格等体裁,直接启示了巴赫的管风琴音乐创作。
维瓦尔蒂是巴洛克末期意大利的代表作曲家。他对大协奏曲的定型起着重要的贡献。同时,他又是一位杰出的小提琴家,写过许多小提琴协奏曲。他的大协奏曲《四季》有着深远的影响。
【维瓦尔第】巴洛克时期意大利小提琴家和作曲家,作有歌剧、教堂音乐和各种器乐合奏,500多首协奏曲是其创作的核心,他继托雷利之后进一步确定小提琴独奏协奏的的形式结构,发展小提琴的演奏技术,创造了富于戏剧性的演奏风格,并为当时几乎每一件乐器都写作了协奏曲,对后世协奏曲发展有重要影响。他还是标题音乐的先行者,小提琴协奏曲《四季》前附有说明音乐内容的短诗。
JS·巴赫是巴洛克时期最重要的德国作曲家之一。生于德国爱森纳赫的一个音乐世家。10岁时父母双亡,依靠长兄生活,并学习古钢琴,中学毕业后,他开始了音乐家的生活,在多处宫廷或教堂担任提琴手、管风琴师、钢琴师、乐队与歌队指挥,后任魏玛、奎登等处宫廷乐长。1749年双目失明,1750年7月去世。巴赫作品博大精深,浩如烟海,除了歌剧以外,各种声乐和器乐体裁无不涉猎。声乐作品以宗教音乐为主,所作近300部教堂康塔塔现存195部。他写有5部受难曲,但完整保存下来的有两部:《马太受难曲》、《约翰受难曲》。在器乐方面,他作有各种体裁的大量的管风琴曲,包括众赞歌幻想曲、前奏曲、变奏曲、赋格曲、托卡塔、帕萨卡利亚等。他还把维瓦尔第的小提琴协奏曲改编成管风琴协奏曲和古钢琴协奏曲。他写的两卷《平均律钢琴曲集》用遍了大小24个调，以证明键盘乐器采用平均律的优越性。他著有《法国组曲》6首、《英国组曲》6首、《帕蒂塔》6首,都是舞曲组成的套曲。他还作有《六首无伴奏小提琴奏鸣曲和帕蒂塔》、《六首无伴奏大提琴组曲》和《独奏长笛奏鸣曲》。他最重要的乐队作品是4部乐队组曲和6部《勃兰登堡协奏曲》,他最后的作品《音乐的奉献》和《赋格的艺术》是集300年来复调技术总结性的作品。
巴赫是位度诚的基督教徒,同时又接受早期启蒙思想的影响,即使他的宗教音乐作品也常常闪烁着人文主义的思想光芒,深刻地反映了那个时代社会、经济、人文思想的心态。他崇尚理性,尊重科学,他的每一部作品都包含一定的哲学伦理的意义,但表现形式却不是抽象的、教条的,而是和抒情、写景密切结合。他继承了16世纪以来德国声乐和器乐的传统,吸收了意大利和法国音乐的技法,把复调音乐提高到前所未有的高度,包括提琴这样的主调乐器,他都能赋予极其美妙的复调对位。同时,他又表现出创作主题旋律的巨大才能,他的旋律更加器乐化,个性鲜明面精练。他的旋律常和对位结合,将丰富的和声、调性的转换,融于赋格曲这类复杂的高级的复调离形式之中,他的和声表现得充实而富于变化,常常用半音进行,节奏在音乐中的地位突出，变奏手法也非常多样,高度的复调思维与新颖生动的主调手法并用的成就,使巴赫成为音乐史上一个继往开来的关键人物。
【J.S.巴赫】18世纪上半叶德国作曲家和管风琴家,生前曾于魏玛、缪尔豪森、安哈尔特-克滕、莱比锡等地任职管风琴师或宫廷乐正,1750年逝世。作品浩如烟海,作有当时盛行的各类音乐体裁,教堂声乐音乐集中于康塔塔、弥撒曲和受难曲,虽然终生未写作歌剧,但歌剧的语汇和戏剧性在《咖啡康塔塔》《b小调弥撒》和《马太受难曲》等作品中显露无疑。器乐音乐有:为教堂礼仪写作的170多首管风琴曲,如众赞歌前奏曲、托卡塔与赋格等,为教学而写作的古钢琴曲《创意曲》《平均律钢琴曲集》《法国组曲》等,管弦乐作品中包含6首《勃兰登堡协奏曲》、4首《乐队组曲》和《音乐的奉献》等。巴赫是巴洛克音乐的集大成者,对位技艺及音乐描绘精湛华丽,精通文艺复兴晚期及巴洛克时期的一切音乐形式,所作音乐在有着实用功能的同时也独具匠心,富有极高的艺术价值。
亨德尔是巴洛克后期最重要的歌剧作曲家,毕生著有40多部歌剧,有36部于1711--1740年间在英国演出,其中《尤利乌斯·凯撒在埃及》、《塔梅拉诺》、《罗德琳达》、《奥兰多》等较重要。他的歌剧大多以意大利正歌剧的形式来表现的,用宣叙调铺叙剧情,用咏叹调刻画人物的性格和内心世界。他的咏叹调是多样的,一般都很宽阔而舒展,而且常带技巧性。
18世纪30年代,当意大利歌剧在伦敦遭冷遇时,亨德尔不得不转向清唱剧的创作。他毕生写过23部清唱剧,这些清唱剧全用英文歌词,并取材《圣经》和英国国教祈祷书,内容也切合当时英国的爱国心理和民主愿望,因此受到民众的热烈欢迎。他的清唱剧《以色列人在埃及》、《弥赛亚》、《犹大·马加比》、《参孙》、《耶弗塔》都是他的不朽之作。他的器乐曲在全部创作中占有一定的比重。但不如歌剧和清唱剧重要,同时,他还著有多首管风琴协奏曲、两卷古钢琴组曲、大协奏曲等。最重要的器乐作品是他的两部乐队组曲《水上音乐》、《皇帝烟火音乐》。他的器乐曲主题简明,音乐形象具体,其管风琴协奏曲表现出他的即兴式的风格,室内乐(如小提琴独奏奏鸣曲、三重奏鸣曲)中发展了小提琴的旋律性和歌唱性的特长。大协奏曲采用“慢一快一慢一快”四乐章的教堂奏鸣曲形式,但不属于真正意义上的大协奏曲,而只能是乐队协奏曲。亨德尔的音乐的旋律富有歌唱性,具有宽广、悠长、庄严的特点;和声属自然音阶性质,较少转调:合唱音乐更有着宏伟的气魄,具有主调音乐的风格;他的复调音乐对深化戏剧发展,刻画感情深度起到重要作用。但在写作中十分注意纵向的和声关系,他常用细腻的笔调展示出感人的气质。他的音乐以其宏伟的音乐风格,预示了主调音乐风格时期的到来。
【亨德尔】18世纪上半叶英籍德裔作曲家。出生于德国哈雷,早年在汉堡学习歌剧，之后游学意大利,1710年任汉诺威选帝侯乐正,1712年以后定居英国伦敦，1719年逝世,安葬于威敏寺大教堂。亨德尔是出色的戏剧音乐作曲家，创作有40余部歌剧,近30部清唱相剧及大量器示乐音乐，他的创作体现出对于意大利的美声咏唱、德国的复调逻辑和英国的恢弘合唱传统的融会贯通,擅长将主调和复调技法相交融,音乐效果华丽出众,是典型的巴洛克风格。主要音乐作品有:歌剧《朱利叶斯·凯撒》《里纳尔多》《赛尔斯》,清唱剧《弥赛亚》《以色列人在埃及》《犹大·马加比》《耶弗他》,管弦乐组曲《水上音乐》《皇室焰火《大协奏曲12首》(Op.6)《管风琴协奏曲》(Op.4、Op.7)《羽管键琴组曲》等。
【《马太受难曲》】J.S.巴赫的《根据<马太福音〉创作的耶稣受难曲》的通用名称,由双合唱队、独唱、双管弦乐队和两架管风琴于1727年受难节首次公演。唱词取自《马太福音》的第26、27章,由男高音宣叙调和合唱陈述故事,缀以众赞歌、重唱及大量咏叹调,耶稣、彼得、犹大等角色由男低音和男中音分饰,合唱队有时参与故事叙述,有时又作为旁观者对情节加以评述。《马太受难曲》遍布精雕细球的音乐绘词法,并将所有音乐要素融会在虔敬壮丽而又富于戏剧性的宗教主题之下,是路德教堂期音乐的完美典范。
【《b小调弥撤》】J.S.巴赫作于1733---1748年的大弥撒曲，全曲以严格的天主教常规弥撒套曲形式构建,由慈悲经、荣耀经、信经、圣哉经和羔羊经5项常规弥撒组成,共27曲。其中部分音乐素材来自于巴赫以前创作的康塔塔,运用歌剧语汇、协奏曲结构和舞曲风格创作,有效综合了文艺复兴音乐风格和巴洛克音乐风格,是继承了西方早期教堂声乐传统的大型合唱音乐的里程碑式的杰作。
【《创意曲集》】J.S.巴赫1723年为其长子W.F.巴赫学习键盘弹奏而写作的对位性乐曲,包含15首二部和15首三部创意曲,其本质是根据某一主题即兴发展而成的复调钢琴小曲,类似小赋格曲。作曲家曾指示,他的创作意图是帮助楔槌键琴爱好者“不仅获得良好的创意,并能充分加以展开”,并且“学习如何歌唱般的演奏”。
【《平均律钢琴曲集》】巴赫为键盘乐器而作的两套曲集,第一集1722年左右完成于克滕,有明确的教学目的,第二集1740年左右在莱比锡汇集编纂。每集各有24首前奏曲和赋格,用遍24个大小调写作,每一首前奏曲与赋格置于同一调性上,但主题间没有联系。前奏曲形式自由,赋格曲显示了巴赫卓绝的对位创作技艺。曲集证实了十二平均律的优越性,进一步确立了西方大小调式,是巴赫键盘作品的最高杰作。
【《哥德堡变奏曲》】巴赫1742年出版的《键盘练习曲》的第四部分,应学生和钢琴家哥德堡之请,为患失眠症的俄国驻萨克森大使凯泽林伯爵而写。包括主题与30个变奏,标志着巴洛克变奏曲难以逾越的高峰,30个变奏分为10组,每组都由2个技术性变奏和1个卡农变奏构成,各首卡农依次采用从同度到九度的音程写作,最后一个变奏是一首集腋曲,把两个流行歌曲“我离开你以很长久”“青菜萝卜”，以对位手法巧妙地组合起来。
【《勃兰登堡协奏曲》】巴赫1721年任职克滕期间,为勃兰登堡选帝侯而作的一组管弦乐作品,共6首。乐曲多为“快一慢一快”三乐章形式,每首有不同的乐器配置,其中第3协奏曲和第6协奏曲没有突出的独奏乐器,属于乐队协奏曲,第1、2、4、5首以合奏组和独奏组进行竞奏对比,属于大协奏曲类型。《勃兰登堡协奏曲》是巴赫管弦乐作品登峰造极之作。
【《音乐的奉献》】JS.巴赫1747年在波茨坦晋见普鲁土的腓特烈大帝时,根据皇帝御赐主题即兴演奏的作品,包含2首键盘利切卡尔,10首卡农和1首由长笛、小提琴与羽管键琴演奏的三重奏鸣曲,全曲庄严雄伟。原题词“regis lussu cantio et reliqua canonica arte resolusa”(意为“奉王命敬按卡农手法发展御制歌曲”，将每个词的为首字母连缀起来,即成《利切卡尔)体裁名。
【《以色列人在埃及》】亨德尔创作于1738年的清唱剧,脚本来自《旧约·出埃及记》和《祈祷书》的诗篇,1739年首演。剧情大意:以色列人在埃及受到法老的奴役,摩西在耶和华的神谕引导下,带领以色列人出走埃及,渡过红海到达以色列。剧中运用大量合唱形式表情达意,渡红海时的大合唱波澜壮阔,引人入胜。
【《弥赛亚》】亨德尔所作的清唱剧,歌词由詹宁斯根据《圣经》撰写,1742年首演于首都柏林。弥赛亚意为“受膏者”,是基督教对救世主耶稣的称呼,此剧讲述了耶稣的一生,共3部54曲,分别讲述了耶稣的诞生、受难和复活。合唱是此剧的核心,著名的段落如“耶稣诞生预言”“哈利路亚”等都显示了巴洛克宗教合唱音乐辉煌壮丽的顶峰。
【《犹大·马加比》】亨德尔作于1747年的清唱剧,受威尔土亲王之命,为庆祝英军战胜苏格兰军而作,神学家托马斯·莫瑞据《次经·马加比传》撰脚本,同年首演于伦敦。剧情大意:犹太领袖犹大·马加比与其三兄弟率民众抵抗入侵国土的叙利亚人,最终收复了耶路撒冷,恢复圣殿祭祀,后于前161年阵亡。全剧共三部分69曲,有着十数首精彩绝伦的壮丽合唱曲,“看!英雄今朝得胜归”闻名于世。
【《裘里乌斯·凯撒》】亨德尔作于1723年的三幕正歌剧,尼古拉,海姆撰脚本,1724年在伦敦首演。剧情描写了克里奥佩特拉与兄弟托勒密之间的埃及王位之争以及她与凯撒的爱情。作曲家按照巴洛克惯例写作,由中音阉伶歌手饰演凯撒一角,通过大量炫技咏叹调来塑造人物性格。
【《四季》】维瓦尔第所作的小提琴独奏协奏曲,由描写春夏秋冬四个季节的12个乐章构成,辑入《和谐与创意的尝试协奏曲集》,1725年出版于阿姆斯特丹。音乐描绘生动、小提琴演奏技艺高超,作曲家还在每一个乐章前附有短诗,说明该乐章描绘的景象,是最早的标题音乐之一。
【《水上音乐》】亨德尔于1717年为泰晤士河上的一次皇室巡游而作的管弦乐组曲,共约20曲,1740年出版现代常见版本为爱尔兰作曲家哈蒂于1922年改编成的6首乐队组曲版,包括有著名的咏叹调、号管舞曲等乐章。
第一节古典主义音乐概况
1750年(J·S·巴赫去世)至19世纪20-30年代,这一时期为古典主义音乐时期,它包含了两大时段:“前古典时期”和“维也纳古典时期”。“前古典时期”也被称为“后巴洛克时期”,从喜歌剧的兴起与繁荣,格鲁克的歌剧改革,以及各种器乐(奏鸣曲、协奏曲、重奏曲,交响曲)的成熟与发展,构成了体现这一时期风格的重要音乐现象。“维也纳古典时期”通常也用“古典主义高峰”来称谓,指18世纪末至19世纪初,以海顿、莫扎特、贝多芬的创作为代表,在音乐上形成一种古典风范的音乐而言。随着“启蒙运动”的发展,欧洲的社会、经济、文化等都发生了新的变革,整个音乐生活也发生了迅速的演变。这一时期的音乐文化有以下特征:(1)市民音乐有了很大发展,歌剧院、音乐厅不断涌现,酒馆、集市等公共场合的音乐活动频繁,乐谱出版、乐器制造业日趋繁荣。(2)音乐家的地位发生了变化,从“仆人”向“自由音乐家”过渡。(3这一时期的音乐作品有着新的内容和新的形式,都有鲜明的特征:创作上世俗因素不断加强,与民间音乐有了更紧密的联系;主调音乐占绝对优势;形式结构趋向匀称严谨；乐思发展注重逻辑；音乐中的矛盾冲突因素逐渐加强和深化；乐曲风格大多明朗乐观。一些重要的器乐体裁如交响套曲、奏鸣套曲、协奏曲、室内乐重奏等已臻于成熟,在形式上逐步达到完美的境界。现代交响乐队的编制亦初步定型。(4）这一时期的代表人物是海顿、莫扎特、贝多芬因为他们的主要音乐活动都以维也纳为中心,在创作风格和美学原则方面有承前启后的联系,后人称他们为“维也纳古典乐派”。
第二节 音乐风格
【洛可可风格】洛可可一词来源于对装饰艺术中典雅精致、轻盈飘逸风格的描述。在音乐上,学者们认识不一,有人认为并不存在此风格时段；也有学者认为18世纪的法国音乐,尤其是在钢琴音乐和歌剧、芭蕾音乐为洛可可风格的音乐;也有学者将它来形容“前古典时期”的音乐。
【华丽风格】华丽风格是指18世纪的一种自由的和声式写作,与严格对位、精心构思的巴洛克风格相异。华丽风格与洛可可风格十分接近,反映出对宫廷、贵族的那种精雕细刻、优美典雅风格的追求,同时,也表现出新兴的、轻快活泼的音乐风格。这在佩格莱西、萨马尔蒂尼的作品中有较多的反映。
【情感凤格(或译“激情风格”)】情感风格是指18世纪以C·P·E·巴赫的交响曲与键盘奏鸣曲为代表，这种风格与巴洛克时期追求类型化的情感表现不同,接近“华丽风格”,但更注重内在的激情，避免过多外在的装饰。
第三节 前古典主义时期的歌剧及其他声乐体裁
18世纪的意大利喜歌剧喜歌剧产生在18世纪的意大利,它是在正歌剧中的幕间剧的基础上产生的。喜歌剧在启蒙主义思潮的影响下,一反意大利正歌剧的“矫揉造作”,而追求“自然”的艺术表现,上场的演员不多,穿时装,不穿古装,剧词幽默、诙谐,有咏叹宣叙调,也有日常生活中的歌谣和歌曲,其主题都为现实性的,多取材市民农民的生活,音乐生动富有活力,强调舞台实的表演,因此受到广泛的欢迎。第一部 喜歌剧是佩格莱西在1733年写作的《管家女仆》。
【喜歌剧】诙谐幽默的歌剧。产生于18世纪的意大利,题材轻松活泼,取材于日常生活,主角为平民百姓,往往描写主仆关系等,情节幽默滑稽,音乐简短质朴,以说白和对话取代宣叙调。1733年,意大利作曲家佩尔戈莱西创作的《女仆作夫人》是第一部意大利喜歌剧。紧接着,法国、英国和德国都发展了各自的喜歌剧。
18世纪的法国喜歌剧法国的喜歌剧的前身是一种在民间流行的集市剧,它是一种有说、有唱的小型音乐剧。1752年意大利喜歌剧团来巴黎演出佩格莱西的喜歌剧《管家女仆》,进一步引起人们对这种歌剧的兴趣和注意,引发了音乐历史上著名的“喜歌剧之争”。以卢梭为代表的启蒙主义者大力支持这种歌剧体裁,以法王路易十五为代表的部分守旧的贵族则大力抨击喜歌剧,极力维护旧的歌剧传统,卢梭以作曲家的身份投入论战,并写出法国第一部喜歌剧《乡村占卜者》,这场论战的结果,导致法国喜歌剧的诞生。到了18世纪末期,法国出现了一种“严肃的喜歌剧”,它主要描写人民反抗暴政和暴君的斗争,情节是主人公经过种种磨难,最后得到拯救。因此,这种“严肃的喜歌剧”音乐具有强烈的戏剧性效果,而喜剧性反而变成为一种补充和衬托了。A·格雷特里创作的歌剧《狮心王理查》就是这类严肃喜歌剧的代表作。
18世纪的德国歌唱剧18世纪中叶前后,在德国出现了一种被称为歌唱剧的喜歌剧形式。同意大利和法国喜歌剧一样,德国喜歌剧也多具有气息浓郁,音乐语言简练、生动的特点。但是,德国歌唱剧中的咏叹调多采用的是德国的歌曲作为其基础音调,并以大段对白作为发展剧情的种手段,形成了富有民间特色的、有歌唱又有对白的音乐戏剧形式。奥地利作曲家K·迪特斯多夫、德国作曲家C·内夫等,都为这种体裁创作了重要的作品,德国歌唱剧的发展,进一步促进了德国民族歌剧的形成。
【正歌剧】严肃庄重的歌剧。产生于17世纪的意大利,盛行于巴洛克时期至古典主义中期,题材高尚,采用神话、历史和宗教故事写作,演出于贵族府邸或公开歌剧院。意大利诗人和台本作家梅塔斯塔济奥是正歌剧主要的剧本作家,写作了27部台本,被作曲家们反复谱曲。17、18世纪,重要的正歌剧作曲家有A.斯卡拉第、亨德尔和莫扎特。
18世纪的英国民谣剧 英国民谣剧兴起于18世纪初,它接近喜歌剧风格音乐多取自民间曲调和听众熟悉的歌剧咏叹调模拟借用。最流行的剧目是该伊作剧、佩普施选择和改编曲调的《乞丐歌剧》,因此,后也有人把英国民语剧戏称为“乞丐歌剧”。
格鲁克的歌剧改革18世纪中叶,意大利正歌剧在欧洲广泛流行,但是,它的表演形式日趋呆板,歌唱演员过分炫耀声乐技巧从而破坏了戏剧的连贯性,这与启蒙时代倡导的“质朴、自然”的艺术原则是大相径庭,一些有见地的歌剧艺术家提出要改革意大利正歌剧音乐与戏剧关系僵化的现状,在后来歌剧改革中最重要的人物是格鲁克。格鲁克是德国作曲家,早年进行大量正歌剧的创作,为后来改革歌剧积累了丰富的经验。他受到亨德尔清唱剧的影响,奠定了他改革歌剧的思想。格鲁克改革的主旨是“质朴和真实是一切艺术作品的美的伟大原则”歌剧中音乐的“真正使命”是“和诗配合,以便加强情感的表现”在他的歌剧中,宣叙调占有重要地位,并加强了旋律性,使其具有细致的情感表现力。他精练戏剧结构,删去咏叹调中华丽的炫技段,追求朴实无华的真情的表露；他的序曲不再是脱离歌剧整体构思的孤立的东西,而是预示剧情的有机部分；剧中的合唱、舞蹈都随剧情需要而存在,不能任意加添。他还在记谱时废弃了数字低音,而代之以具有明确的各声部的近代写法。他的歌剧仍然采用神话传说题材,却使之面目一新。他的代表作为《奥菲欧与优丽狄斯》《阿尔契斯特》、《帕里与海伦》、《伊菲姬尼在奥利德》等。他的歌剧改革与传统意大利正歌剧之间的对立,掀起了巴黎舆论界的论战,得到普遍的反对。但是,以卢梭为代表的启蒙主义者坚决支持格鲁克的歌剧改革。格鲁克的歌剧改革获得了重要的成果,不仅影响着18世纪末到19世纪的法国歌剧的面貌,而且影响到整个欧洲的歌剧。
【格鲁克】18世纪上半叶德国作曲家,创作了100多部歌剧。他与台本作家卡尔扎比吉合作致力于改革传统意大利歌剧的弊端,在《奥非欧》中创立了新的歌剧风格,摒弃声乐炫技,追求质朴感人,他们限制音乐的表现使之服务于诗歌,改革的原则在歌剧《阿尔切斯特》和《帕里斯与海伦)的前言中提出,在《伊菲姬尼在陶利德》等歌剧中奉行。他的创作对后世歌剧作曲家有较大影响。
曼海姆乐派曼海姆乐派是18世纪德国曼海姆选侯的宫廷里,云集一批以约翰·斯塔米兹为首的作曲家、演奏家,他们创作、演出十分活跃,并有重大影响,被称为“曼海姆乐派”。曼海姆乐派在意大利歌剧序曲快一慢一快的结构基础上,又加入了快速度的第四乐章,从而奠定了古典交响乐套曲的基本的结构布局。曼海姆乐派的创作已有鲜明的主调音乐风格,结构明晰、旋律轻捷、和声简明。曼海姆乐队的编制已相当完整,其出色的演奏当时闻名全欧。他们突出乐队力度上的“渐强”、“渐弱”的丰富变化,增强了管弦乐队表达情感幅度的能力。
【曼海姆乐派】18世纪以交响乐队闻名的欧洲乐派,创始人为约翰·斯塔米茨,成员还有其子卡尔、作曲家霍尔茨鲍尔、歌唱家里赫特和指挥家卡纳比希,乐派确立了交响曲的主调音乐风格,加强主题对比,废除通奏低音记谱法,发掘新的乐器音色,增加乐队音响力度的幅度变化等,创作技法娴熟,演奏风格生动,为海顿和莫扎特的交响曲创作铺平道路。
第四节前古典主义器乐
柏林乐派柏林乐派是18世纪在柏林形成的一个乐派,其代表人物是C·P·E·巴赫他主要的贡献在于开创了近代钢琴奏鸣曲的先河。
古典主义时期的奏鸣曲“奏鸣曲”一词源于意大利语,意为“鸣响”,主要是指器乐曲体裁。从早期的奏鸣曲到18世纪的奏鸣曲(现也称“古典奏鸣曲”),无论是结构上,还是在音乐风格上都发生了根本的改变。首先,奏鸣曲逐渐摆脱了乐器重奏为主的演出形式,取而代之的是一种以一件乐器独奏,或一件独奏乐器与钢琴的合奏为主的演出形式,音乐也逐渐由复调风格转变为主调音乐风格,更重要的是,18世纪的奏鸣曲在结构上的变化,它的结构通常是由以快板的奏鸣曲式为第一乐章的三个乐章构成,第二乐章是慢板的歌谣风的三部曲式,第三乐章又是快板的奏前曲式、回旋曲式或奏鸣回旋曲式所构成。
【古典奏鸣曲】古典奏鸣曲定型于18世纪中叶,是由一件或两件独奏乐器演奏的多乐章器乐套曲作品,常见的独奏乐器为键盘乐器和小提琴,钢琴独奏奏鸣曲是古典时期的典型形式。古典奏鸣曲的形式结构为:奏鸣曲式快板一慢速乐章一快板终曲。C.P·E巴赫和D.斯卡拉第是古典钢琴奏鸣曲的重要奠基者,海顿、莫扎特和克莱门蒂的奏鸣曲进一步发展了古典风格,贝多芬革新了古典奏鸣曲。
【奏鸣曲式】一种大型器乐音乐结构,定型于18世纪上半叶。由呈示部、展开部和再现部三大部分组成。呈示部包含在调性和性格上形成鲜明对比的主部和副部,它们是全曲的核心主题;展开部发展呈示部出现过的主题,调性频繁转移,极大地造就戏剧紧张度;再现部重现呈示部主题,但所有主题全部统一在主调上,形成音乐戏剧的完满解决。
【C.P.E.巴赫】古典主义时期德国作曲家和羽管键琴家,J.S.巴赫的次子。主要创作交响曲和键盘作品,奏鸣曲有200多首,如《普鲁土奏鸣曲》《沃尔滕堡奏鸣曲》,他的作品精致洗练、趣味高雅,脱离了纯对位写作的旧有风格,发展了主调音乐的新风格,乐章间的调性对比和形象对比处理日趋成熟并发展了奏鸣曲的戏剧性因素,是古典钢琴奏鸣曲的重要奠基者。
古典主义时期的协奏曲古典主义时期的协奏曲不像巴洛克时期那般多样,而是以一件独奏乐器与管弦乐队组成的套曲体裁。古典时期的协奏曲通常由三个乐章组成:第一乐章常用带有双呈示部的奏鸣曲式；第二乐章慢速,曲式较自由,而三部曲式为多;第三乐章快速,采用奏鸣曲式、回旋曲式等曲式,此外,通常在第一乐章临结束时,有发挥乐曲主题和独奏技巧的华彩乐段。这种独奏乐器与乐队的协奏曲可在钢琴、弦乐、管乐等乐器上采用。海顿、莫扎特、贝多芬都创作有大量此类作品。
【古典协奏曲】盛行于欧洲18世纪的协奏曲类型,主要指由一件独奏乐器和管弦乐队协同演奏的作品,独奏乐器多为小提琴和键盘乐器,也有为两件乐器写作的协奏曲,如双钢琴协奏曲、小提琴和钢琴协奏曲。莫扎特为各类管、弦乐器写作了50多部协奏曲,并且在承袭巴洛克协奏曲形式的基础上,完善了沿用至今的古典协奏曲的结构形式:运用奏鸣曲式三乐章套曲结构,第一乐章为双呈示部的奏鸣曲式,结尾有供演奏家即兴炫技的“华彩段”,第二乐章为抒情慢速乐章,终曲乐章轻快明朗。在莫扎特的协奏曲中,独奏乐器和乐队的关系和谐均衡,始终保持平等关系,古典协奏曲在他的创作臻于成熟。
古典主义时期的交响曲交响曲一词来源于希腊语“symphonia”,原意为“声音一起响”,在17、18世纪所指的交响曲为“快一慢一快”三段的歌剧序曲。18世纪中后期,随着定期音乐会的日益流行,乐队的组织也日益庞大和完善,不少作曲家都积极从事大型器乐曲的创作,这样,序曲性质的交响曲逐渐脱离歌剧,发展成独立的器乐体裁,古典交响曲通常分为四个乐章:第一乐章,快板的奏鸣曲式；第二乐章,稍慢或慢板的抒情风格的三部曲式或变奏曲式；第三乐章,快板或稍快的小步舞曲(贝多芬后改为谐谑曲)；第四乐章,快板或急板的奏鸣曲式、回旋曲式、奏鸣回旋曲式或变奏曲式。最早对这一体裁作出贡献的人物首推意大利作曲家萨马丁尼,他创作了交响曲、协奏曲、奏鸣曲和舞台音乐。他的交响曲不但出现了四个乐章的结构,而且在快板乐章中出现了运用奏鸣曲式,成为交响曲重要的奠基人。18世纪的曼海姆乐派对交响曲的最终形成也起着不可忽视的作用,他们创作出四个乐章的交响套曲,而且,他们对近代交响乐队的形成起着不可替代的作用。海顿晚期的创作标志了古典交响曲形式的成熟,他除了采用曼海姆乐派交响曲四个乐章的结构外,还明确了上述各乐章的性质和曲式。故而,海顿被称为“交响曲之父”。
【古典交响曲】交响曲是由交响乐队演奏的奏鸣曲,约定型于18世纪中叶。古典交响曲由四个乐章构成,第一乐章通常是用奏鸣曲式写作的快板第二乐章是慢速的乐章,第三乐章是小步舞曲或谐谑曲,第四乐章是快板或急板的终曲。交响曲的前身是“快一慢一快”的意大利歌剧序曲,所以意大利歌剧作曲家萨马尔蒂尼、佩尔戈莱西、约梅利和加卢皮等都是早期交响曲的作曲家,德奥地区的交响曲发展以柏林乐派、曼海姆乐派和维也纳乐派作曲家为代表.
古典主义时期的室内乐室内乐是在室内演奏或演唱的音乐。室内乐重奏可分为二重奏、三重奏、四重奏、五重奏直至九重奏等多种演奏形式。因所用乐器种类不同,室内乐又有单纯弦乐器演奏的重奏以及弦乐器与钢琴、管乐器等混合演奏的重奏之别。室内乐通常用奏鸣曲套曲形式,有4个乐章(亦有少于或多于此数者),演出中不追求个人技巧的任意发挥,而强调声部间的默契配合。在所有的室内乐重奏中,弦乐四重奏是室内乐的重要形式,其由第一小提琴、第二小提琴中提琴、大提琴各1件组成,弦乐四重奏的形式在海顿的后期作品中达到成熟,这些作品确定为和交响曲相同的四个乐章的结构。他废除数字低音,明确了弦乐四个声部,声部之间更为协调、均衡,不再只强调第一小提琴。
【弦乐四重奏】由2把小提琴、1把中提琴和1把大提琴演奏的室内合奏乐体裁，采用奏鸣曲式套曲结构写作。弦乐四重奏脱胎于18世纪初的小夜曲和嬉游曲,海顿的84首弦乐四重奏开始运用奏鸣曲式四乐章套曲形式,并以“谈话原则”组合乐器,确立了近代弦乐四重奏的写作风格。贝多芬以“拉祖莫夫斯基”和“庄严”为代表的弦乐四重奏作品,丰富了该体裁的音乐表现力和衍展力,使之成为室内乐的的核心体裁。浪漫主义的弦乐四重奏作曲家有舒伯特、门德尔松、勃拉姆斯、斯美塔那、德沃夏克、弗朗克、鲍罗廷、柴科夫斯基等,倾向于抒情,在主题展开和对位处理方面不加注重。20世纪的弦乐四重奏创作风格更为多样化,德彪西、巴托克、拉威尔、勋伯格、欣德米特、米约、肖斯塔科维奇等人创作了各具特色的弦乐四重奏作品。
古典主义时期的管弦乐队古典主义时期的管弦乐队的规模因演奏场合而异。歌剧院的乐队规模较大；宫廷的乐队因庇护人的经济情况而大小不等,到18世纪中叶约有20-40人。管弦乐队的固定乐器是弦乐组、2支双簧管、2支大管,有时长笛可替换双簧管。18世纪下半叶,单簧管才逐渐加入管弦乐队。当要求有辉煌明亮的音响效果时,常运用小号和定音鼓,而长号直到世纪末仍然主要用于教堂音乐,尚未成为正规管弦乐队的成员。18世纪的木管乐器还没有发展得十分完善,即使演奏同一首乐曲,当时乐队发出的音响与今天的演奏效果并不完全相同。在现代意义的指挥出现之前,羽管键琴演奏者(有时是作曲家本人)充当指挥作用,以后为首席小提琴所取代。
维也纳古典乐派维也纳古典乐派是18世纪下半叶在维也纳形成的一个乐派,在历史上,人们常说的“维也纳古典乐派”是以海领、莫扎特和贝多芬为代表的音乐家群体,他们都生活在维也纳,并在那创作出大量的经典作品；在创作思想与美学原则上,有承上启下的联系。他们都受到欧洲启蒙主义思潮的影响,创作出带有鲜明人道主义思想和明朗、奋进的乐观主义作品,同时,他们都继承了欧洲特别是德奥音乐文化传统,并对音乐的各个体裁进行了一系列的改革与创新,他们的作品中确立了主调和声风格的主导地位,又创造性地运用了复调对位手法,其作品既有明晰而严谨的形式,又充满深刻的思想内涵:既吸收了德奥民间音乐传统,又富有高超的作曲技法,这一切使他们的音乐具有无穷的魅力,从而使欧洲古典主义音乐到达顶峰。
【D.斯卡拉蒂】古典主义时期意大利作曲家和古钢琴家,A.斯卡拉蒂之子。当时最重要的羽管键琴作曲家,作有单乐章的钢琴奏鸣曲近60首,大多用二段式结构,主题风格多样,织体处理灵活。独创炫技性演奏手法如大幅度跳跃、双手交叉、快速平行三六度、刮奏、长颤音等。他的创作直接影响了维也纳古典奏鸣曲。
【维也纳古典乐派】18世纪下半叶到19世纪初活跃于维也纳一批德奥作曲家的总称,包括格鲁克、海顿、莫扎特、贝多芬和舒伯特等人。他们都在维也纳度过创作的成熟时期,思想和艺术风格一脉相承,在继承欧洲专业音乐传统的基础上,对音乐内容和形式的革新有着重要的贡献，他们的作品堪称后世音乐的楷模，是18、19世纪之交的西方音乐高峰。
【音乐会序曲】始于19世纪的一种管弦音乐形式,类似歌剧或戏剧的序曲,但专供音乐会演出。贝多芬的一系列戏剧配乐的序曲体现了戏剧性和交响性,对于音乐会序曲的创立有重要影响。门德尔松的《仲夏夜之梦》通常被认为是第一部真正的音乐会序曲,19世纪典型的音乐会序曲还有门德尔松的《赫布里底斯群岛》勃拉姆斯的《悲剧序曲》柴科夫斯基的《罗密欧与朱丽叶》。
第五章 古典主义时期音乐（下）
第四节前古典主义器乐
【柏林乐派】柏林乐派是18世纪在柏林形成的一个乐派,其代表人物是C·P·E·巴赫他主要的贡献在于开创了近代钢琴奏鸣曲的河。
【古典主义时期的奏鸣曲】“奏鸣曲”一词源于意大利语,意为“鸣响”,主要是指器乐曲体裁。从早期的奏鸣曲到18世纪的奏鸣曲(现也称“古典奏鸣曲”),无论是结构上,还是在音乐风格上都发生了根本的改变。首先,奏鸣曲逐渐摆脱了乐器重奏为主的演出形式,取而代之的是一种以一件乐器独奏,或一件独奏乐器与钢琴的合奏为主的演出形式,音乐也逐渐由复调风格转变为主调音乐风格,更重要的是,18世纪的奏鸣曲在结构上的变化,它的结构通常是由以快板的奏鸣曲式为第一乐章的三个乐章构成,第二乐章是慢板的歌谣风的三部曲式,第三乐章又是快板的奏前曲式、回旋曲式或奏鸣回旋曲式所构成。
【古典奏鸣曲】古典奏鸣曲定型于18世纪中叶,是由一件或两件独奏乐器演奏的多乐章器乐套曲作品,常见的独奏乐器为键盘乐器和小提琴,钢琴独奏奏鸣曲是古典时期的典型形式。古典奏鸣曲的形式结构为:奏鸣曲式快板一慢速乐章一快板终曲。C.P·E巴赫和D.斯卡拉第是古典钢琴奏鸣曲的重要奠基者,海顿、莫扎特和克莱门蒂的奏鸣曲进一步发展了古典风格,贝多芬革新了古典奏鸣曲。
【奏鸣曲式】一种大型器乐音乐结构,定型于18世纪上半叶。由呈示部、展开部和再现部三大部分组成。呈示部包含在调性和性格上形成鲜明对比的主部和副部,它们是全曲的核心主题;展开部发展呈示部出现过的主题,调性频繁转移,极大地造就戏剧紧张度;再现部重现呈示部主题,但所有主题全部统一在主调上,形成音乐戏剧的完满解决。
【C.P.E.巴赫】古典主义时期德国作曲家和羽管键琴家,J.S.巴赫的次子。主要创作交响曲和键盘作品,奏鸣曲有200多首,如《普鲁土奏曲》《沃尔滕堡奏鸣曲》,他的作品精致洗练、趣味高雅,脱离了纯对位写作的旧有风格,发展了主调音乐的新风格,乐章间的调性对比和形象对比处理日趋成熟并发展了奏鸣曲的戏剧性因素,是古典钢琴奏鸣曲的重要奠基者。
【古典主义时期的协奏曲】古典主义时期的协奏曲不像巴洛克时期那般多样,而是以一件独奏乐器与管弦乐队组成的套曲体裁。古典时期的协奏曲通常由三个乐章组成:第一乐章常用带有双呈示部的奏鸣曲式；第二乐章慢速,曲式较自由,而三部曲式为多;第三乐章快速,采用奏鸣曲式、回旋曲式等曲式,此外,通常在第一乐章临结束时,有发挥乐曲主题和独奏技巧的华彩乐段。这种独奏乐器与乐队的协奏曲可在钢琴、弦乐、管乐等乐器上采用。海顿、莫扎特、贝多芬都创作有大量此类作品。
【古典协奏曲】盛行于欧洲18世纪的协奏曲类型,主要指由一件独奏乐器和管弦乐队协同演奏的作品,独奏乐器多为小提琴和键盘乐器,也有为两件乐器写作的协奏曲,如双钢琴协奏曲、小提琴和钢琴协奏曲。莫扎特为各类管、弦乐器写作了50多部协奏曲,并且在承袭巴洛克协奏曲形式的基础上,完善了沿用至今的古典协奏曲的结构形式:运用奏鸣曲式三乐章套曲结构,第一乐章为双呈示部的奏鸣曲式,结尾有供演奏家即兴炫技的“华彩段”,第二乐章为抒情慢速乐章,终曲乐章轻快明朗。在莫扎特的协奏曲中,独奏乐器和乐队的关系和谐均衡,始终保持平等关系,古典协奏曲在他的创作臻于成熟。
【古典主义时期的交响曲】交响曲一词来源于希语“symphonia”,原意为“声音一起响”,在17、18世纪所指的交响曲为“快一慢一快”三段的歌剧序曲。18世纪中后期,随着定期音乐会的日益流行,乐队的组织也日益庞大和完善,不少作曲家都积极从事大型器乐曲的创作,这样,序曲性质的交响曲逐渐脱离歌剧,发展成独立的器乐体裁,古典交响曲通常分为四个乐章:第一乐章,快板的奏鸣曲式；第二乐章,稍慢或慢板的抒情风格的三部曲式或变奏曲式；第三乐章,快板或稍快的小步舞曲(贝多芬后改为谐谑曲)；第四乐章,快板或急板的奏鸣曲式、回旋曲式、奏鸣回旋曲式或变奏曲式。 最早对这一体裁作出贡献的人物首推意大利作曲家萨马丁尼,他创作了交响曲、协奏曲、奏鸣曲和舞台音乐。他的交响曲不但出现了四个乐章的结构,而且在快板乐章中出现了运用奏鸣曲式,成为交响曲重要的奠基人。18世纪的曼海姆乐派对交响曲的最终形成也起着不可忽视的作用,他们创作出四个乐章的交响套曲,而且,他们对近代交响乐队的形成起着不可替代的作用。海顿晚期的创作标志了古典交响曲形式的成熟,他除了采用曼海姆乐派交响曲四个乐章的结构外,还明确了上述各乐章的性质和曲式。故而,海顿被称为“交响曲之父”。
【古典交响曲】交响曲是由交响乐队演奏的奏鸣曲,约定型于18世纪中叶。古典交响曲由四个乐章构成,第一乐章通常是用奏鸣曲式写作的快板第二乐章是慢速的乐章,第三乐章是小步舞曲或谐谑曲,第四乐章是快板或急板的终曲。交响曲的前身是“快一慢一快”的意大利歌剧序曲,所以意大利歌剧作曲家萨马尔蒂尼、佩尔戈莱西、约梅利和加卢皮等都是早期交响曲的作曲家,德奥地区的交响曲发展以柏林乐派、曼海姆乐派和维也纳乐派作曲家为代表。
【古典主义时期的室内乐】室内乐是在室内演奏或演唱的音乐。室内乐重奏可分为二重奏、三重奏、四重奏、五重奏直至九重奏等多种演奏形式。因所用乐器种类不同,室内乐又有单纯弦乐器演奏的重奏以及弦乐器与钢琴、管乐器等混合演奏的重奏之别。室内乐通常用奏鸣曲套曲形式,有4个乐章(亦有少于或多于此数者),演出中不追求个人技巧的任意发挥,而强调声部间的默契配合。在所有的室内乐重奏中,弦乐四重奏是室内乐的重要形式,其由第一小提琴、第二小提琴中提琴、大提琴各1件组成,弦乐四重奏的形式在海顿的后期作品中达到成熟,这些作品确定为和交响曲相同的四个乐章的结构。他废除数字低音,明确了弦乐四个声部,声部之间更为协调、均衡,不再只强调第一小提琴。
【弦乐四重奏】由2把小提琴、1把中提琴和1把大提琴演奏的室内合奏乐体裁，采用奏鸣曲式套曲结构写作。弦乐四重奏脱胎于18世纪初的小夜曲和嬉游曲,海顿的84首弦乐四重奏开始运用奏鸣曲式四乐章套曲形式,并以“谈话原则”组合乐器,确立了近代弦乐四重奏的写作风格。贝多芬以“拉祖莫夫斯基”和“庄严”为代表的弦乐四重奏作品,丰富了该体裁的音乐表现力和衍展力,使之成为室内乐的的核心体裁。浪漫主义的弦乐四重奏作曲家有舒伯特、门德尔松、勃拉姆斯、斯美塔那、德沃夏克、弗朗克、鲍罗廷、柴科夫斯基等,倾向于抒情,在主题展开和对位处理方面不加注重。20世纪的弦乐四重奏创作风格更为多样化,德彪西、巴托克、拉威尔、勋伯格、欣德米特、米约、肖斯塔科维奇等人创作了各具特色的弦乐四重奏作品。
【古典主义时期的管弦乐队】古典主义时期的管弦乐队的规模因演奏场合而异。歌剧院的乐队规模较大；宫廷的乐队因庇护人的经济情况而大小不等,到18世纪中叶约有20-40人。管弦乐队的固定乐器是弦乐组、2支双簧管、2支大管,有时长笛可替换双簧管。18世纪下半叶,单簧管才逐渐加入管弦乐队。当要求有辉煌明亮的音响效果时,常运用小号和定音鼓,而长号直到世纪末仍然主要用于教堂音乐,尚未成为正规管弦乐队的成员。18世纪的木管乐器还没有发展得十分完善,即使演奏同一首乐曲,当时乐队发出的音响与今天的演奏效果并不完全相同。在现代意义的指挥出现之前,羽管键琴演奏者(有时是作曲家本人)充当指挥作用,以后为首席小提琴所取代。
【维也纳古典乐派】 维也纳古典乐派是18世纪下半叶在维也纳形成的一个乐派,在历史上,人们常说的“维也纳古典乐派”是以海领、莫扎特和贝多芬为代表的音乐家群体,他们都生活在维也纳,并在那创作出大量的经典作品；在创作思想与美学原则上,有承上启下的联系。他们都受到欧洲启蒙主义思潮的影响,创作出带有鲜明人道主义思想和明朗、奋进的乐观主义作品,同时,他们都继承了欧洲特别是德奥音乐文化传统,并对音乐的各个体裁进行了一系列的改革与创新,他们的作品中确立了主调和声风格的主导地位,又创造性地运用了复调对位手法,其作品既有明晰而严谨的形式,又充满深刻的思想内涵:既吸收了德奥民间音乐传统,又富有高超的作曲技法,这一切使他们的音乐具有无穷的魅力,从而使欧洲古典主义音乐到达顶峰。
【D.斯卡拉蒂】古典主义时期意大利作曲家和古钢琴家,A.斯卡拉蒂之子。当时最重要的羽管键琴作曲家,作有单乐章的钢琴奏鸣曲近60首,大多用二段式结构,主题风格多样,织体处理灵活。独创炫技性演奏手法如大幅度跳跃、双手交叉、快速平行三六度、刮奏、长颤音等。他的创作直接影响了维也纳古典奏鸣曲。
【维也纳古典乐派】18世纪下半叶到19世纪初活跃于维也纳一批德奥作曲家的总称,包括格鲁克、海顿、莫扎特、贝多芬和舒伯特等人。他们都在维也纳度过创作的成熟时期,思想和艺术风格一脉相承,在继承欧洲专业音乐传统的基础上,对音乐内容和形式的革新有着重要的贡献，他们的作品堪称后世音乐的楷模，是18、19世纪之交的西方音乐高峰。
第五节海顿与莫扎特
【海顿】约瑟夫·海顿古典主义音乐时期的奥地利作曲家，维也纳古典乐派的代表人物。他8岁入维也纳圣斯蒂芬大教堂唱诗班,变声后离开唱诗班。1761年,他加入埃斯特哈齐宫廷的乐队,后任乐长,在宫廷中的近30年时间,写出他的大部分作品。1790年尼科劳斯亲王去世,宫廷乐队解体,他迁居维也纳。1791年和1794年两度访问英国，创作演出了12首《伦敦交响曲》,获得极大成功,晚年仍以旺盛的精力创作出两部著名的清唱剧《创世纪》和《四季》。海顿是一位多产的作曲家,作有10若首交响曲、80多首弦乐四重奏、20多部歌剧以及为数众多的其他作品。海顿最重要的贡献是促成了交响乐形成和弦乐四重奏的成熟。早期的交响曲比较简单,乐章的数目不定。海顿晚期的创作标志了古典交响曲的成熟。他除了采有曼海姆乐派交响曲的四个乐章结构外,还明确了各乐章的性质和曲式:第一乐章,快板奏鸣曲式；第二乐章,抒情歌唱性的三部曲式或变奏曲式；第三乐章,小步舞曲性的三部曲式；第四乐章,舞曲性的回旋曲式。在海顿的奏鸣曲式中,主、副部的对比还不强烈,但他的第一乐章前常有一段对比形象的引子作为补充。海顿的首、尾乐章,已经常使用展开主题短小动机的发展手法,海顿的乐队编制上,以弦乐四声部为基础双管制的现代管弦乐队体制,正是在海顿手下逐渐定型的。他重要的交响曲有《第44交响曲(伤感))、《第45交响曲(告别))、《第94交响曲(惊愕))、《第100交响曲(军队))、《第10交响曲(时钟)》、《第103交响曲(鼓声))和(第104交响曲(伦敦)》等。弦乐四重奏的形式也是在海顿的后期作品中成熟,这些作品确定为和交响曲相同的四个乐章的结构,他废除数字低音,明确了弦乐四个声部,声部之间更为协调、均衡,不再只强调第一小提琴,他重要的弦乐四重奏有Op·64之5《“云雀”四重奏》、Op·76的六首(其中第3首别名为《皇帝》)和Op.77的两首四重奏等。
海顿的创作充满着健康、明快、幽默、轻松的气息。清新朴素的旋律,在气质上保持着与民间音乐的联系,粗犷质朴的民间舞曲被他自如地引入到高级的交响曲形式,和声、织体上的明晰,结构上的均衡、讲究,这一切构成了海顿创作的总体风格,使他成为维也纳古典乐派的奠基人。
【莫扎特】莫扎特古典主义音乐时期的奥地利作曲家,维也纳古典乐派的代表人物,幼年的莫扎特就显露出超常的音乐天赋。6岁至15岁期间,一半以上的时间由父亲带领,在欧洲各地旅行演出。1774年以后的一段时期他生活在萨尔斯堡,但是,他越来越难以忍受这里闭塞的环境和大主教仆役的音乐职位,于1781年去维也纳做一个“自由音乐家”,并且,自由地选择了一位平民女子做伴侣。自此时至他逝世的十年间,是莫扎特一生最重要的创作时期。1791年莫扎特在贫病中死去,葬于平民公墓,后人甚至找不到他的遗体。莫扎特的创作几乎涉及了音乐的所有领域:交响曲、歌剧、钢琴及各种乐器的协奏曲、奏鸣曲,各种组合形式的室内乐和独唱、重唱等。莫扎特最重要的成就当推歌剧。他继承格鲁克歌剧改革的思想,而且更前进了一步。他一生喜爱歌剧,毕生所作的20多部歌剧包含了各种体裁类型,如德语歌唱剧《巴斯齐安与巴斯齐安娜》、《后宫诱逃》；意大利正歌剧《路契奥西拉》、《伊多梅纽》、《蒂托的仁慈》；意大利喜歌剧《假女园丁》等。最重要的是1785年至1791年间所作的三部喜歌剧《费加罗的婚礼》《唐·乔凡尼》、《女人心》和一部德语歌唱剧《魔笛》,前三者使喜歌剧达到前所未有的高度,后者为德国民族歌剧树立了不朽的丰碑。 与格鲁克不同,莫扎特主张“诗必须服从音乐”,他的歌剧具有强烈的音乐感染力,旋律优美、流畅、自然而深情,宣叙调也富有歌唱性。不同类型的音乐,将各种人物形象、性格塑造得鲜明而生动。重唱形式被莫扎特作为安排戏剧性冲突和高潮的重要手段。序曲简练、个性化,在音乐的性质上与全剧有了更多的内在联系。这些重要的探索,使莫扎特在德国歌剧艺术的开拓史上立下了不朽业绩。在交响曲创作方面,莫扎特作有41部交响曲,在此类作品的体裁形式上,莫扎特并未有显著的创新,而是那一时代风格和成就的综合。在他成熟的交响曲中所具有的感情深度、内在戏剧性、复杂的结构和丰富的表现力,都大大超过同时代的作曲家,走在18世纪音乐的最前列。在他的交响曲中充满了亲切、明朗的感染力量,在形式结构、和声、织体、配器诸方面,他理智地追求清晰、单纯、严格的逻辑性和均衡的比例,形成维也纳古典乐派的典型风格。他最后的三部交响曲(39,40.41)特别是第40交响曲,出现了莫扎特作品中少有的激愤、不安、阴郁的气氛。他去掉了以往交响曲的引子,主、副部主题间形象对比强烈,和声、调性上的大胆构思,使展开不稳定幅度得到加强,这大大区别于同时期的海顿交响曲,而在一定程度上预示了后来贝多芬交响曲创作的新的趋向。莫扎特的室内乐作品中,以献给海顿的六首弦乐四重奏较著名。气息宽广、舒展歌唱性的旋律和灵活、多层次的复调手法结合在一起,在更高水平上巩固了主调音乐的主导地位。莫扎特还有大量的协奏曲(如小提琴协奏曲、钢琴协奏曲、单簧管协奏曲、长笛协奏曲、圆号协奏曲等),奏鸣曲以及其他作品,为当时器乐界对钢琴的不断更新、改进贡献了力量。他以细腻就多变的即兴变奏和精湛的演奏技巧征服了当时的听众,并用将协奏曲的双呈示部及花彩乐段的结构固定下来。莫扎特和海顿一起确立了“维也纳古典乐派”,但他在思想、艺术上比年长的海顿更成熟。
【《创世记》】海顿创作的清唱剧作品,1798年首演于维也纳。歌词来自《圣经·创世记》和英国诗人弥尔顿的长诗《失乐园》,分为三个部分。第一部分和第二部分叙述上帝创造天地日月、山河鸟兽的七天,第三部分叙述伊甸园中的亚当与夏娃。作曲家以栩栩如生的音乐描绘手法,形象化地讴歌了一切生物。全剧洋溢着欢乐与光明,是清唱剧历史上的不朽杰作。
【《费加罗的婚礼》】莫扎特根据达·蓬特的台本而写作的四幕喜歌剧,1786年首演于维也纳,取材于博马舍的原作。剧情讲述阿尔马维瓦伯爵的侍仆费加罗和未婚妻机智挫败伯爵的好色阴谋,是一部讽世之作,抨击贵族阶级的特权。重唱在剧中居重要地位,刻画人物心理和性格,描绘爱情的细腻差异,对推动戏剧的发展和加强喜剧效果尤其起到重要作用。
【《唐璜》】莫扎特1787年作于布拉格的二幕喜歌剧,由剧作家达·蓬特根据贝尔塔蒂的剧本《石客》撰脚本。剧情大意:17世纪塞维利亚城的浪荡子唐璜用情不专,先是抛弃妻子埃尔韦拉,调戏总督之女安娜,不慎将总督刺死,在逃跑途中,又在乡村婚礼上勾引新娘采琳娜,最终他被立誓报仇的总督塑像拖下地狱。歌剧超越了喜歌剧的传统,进入悲一喜剧的范畴,以罕见的深刻程度描绘了人物的心理和情感。理查,斯特劳斯的交响诗作品,根据尼古拉·莱瑙的诗写作89年首演于魏玛。
【《魔笛》】莫扎特根据席卡内德所编台本写作的两幕歌唱剧,1791年首演于维也纳。剧情为:塔米诺王子奉夜后之命,前去营救夜后之女帕米娜,历经磨难,二人终成眷属,塔米诺的随从帕帕盖诺也找到了伴侣。此剧多处影射共济会精神和当时的奥地利政局,在音乐风格上成功融合了意大利正歌剧、意大利喜歌剧和德奥歌唱剧的因素,是综合性的古典歌剧作品。
第六节贝多芬
【贝多芬】古典主义音乐时期的德国作曲家，维也纳古典乐派的代表人物。生于德国的波恩,13岁任宫廷乐队羽管键琴手,14岁任宫廷第二管风琴师,18岁任歌剧乐队中提琴手。曾从莫扎特学习短暂时间。1792年,他去维也纳并终生定居于此地,作为一名自由音乐家从事音乐创作。他1819年失聪,1827年病逝。其一生的重要代表作有:9部交响曲(重要的是《第三(英雄)交响曲》、《第五(命运)交响曲》、《第六(田园)交响曲》、《第九(合唱)交响曲》)、1部歌剧(《费德里奥))、32部钢琴奏鸣曲(代表作是《黎明》、《热情》、《暴风雨》、《悲怆》、《月光))、5部钢琴协奏曲、2部弥撒曲、1首序曲、1部小提琴协奏曲、16部弦乐四重奏、10首小提琴奏鸣曲以及大量的其他作品。贝多芬的音乐创作分四个时期:1.波恩时期(1770-1792年),是他人生最初的22年；2.维也纳时期(1792-1802年),创作有前两部交响曲、前20首钢琴奏鸣曲等作品:3.创作成熟期(1892-184年),创作有第三至第八交响曲、第三至第五钢琴协奏曲、第21至26首钢琴奏鸣曲等作品,显示出独特的音乐个性；4.创作晚期(1815-1827年),作品达到他一生创作的高峰包括《第九交响曲》、《庄严弥撒》、最后几首钢琴奏鸣曲、最后6首弦乐四重奏。此时的作品显示出浪漫主义音乐的风格趋向。
贝多芬最重要的贡献是对交响套曲的发展和创新上。他的九部交响曲分为四类:1.英雄性、戏剧性的,如第三、第五、第九交响曲:2生活风俗性的和抒情性的,如第一、第四、第六、第八交响曲；3.群众性、舞蹈性的,如《第七交响曲》:4.综合性的,如《第二交响曲》。
在他的交响乐创作中,各部分结构、互相对比的性质及独立的形象意义都有所扩大,每段内部都包含的发展性质,在展开部表现得更集中、更激烈。贝多芬的展开部规模远远超过海顿、莫扎特的奏鸣曲式的展开部,它充满了内在的矛盾、紧张的动力和戏剧性冲突,成为整个奏鸣曲式的重心。他的交响套曲各乐章之间,既是对比并置的关系,在内容上、形象上又相互联系。由于音乐材料的连贯性,使套曲保持了高度的严谨和统一。乐章的数目、所有曲式的次序都突破了古典乐派的典型章法,特别是将谐谑曲引入交响曲,取代了具有宫廷典雅气质的小步舞曲,并赋子这种戏谑性质的乐章以豪放、泼辣的气质。变奏曲式以至幻想曲,也被自由地组织进套曲结构之中。贝多芬的音乐有自己独特的风格。他的旋律继承海顿式的动机展开的手法,又吸收莫扎特旋律的深情,而形成简洁、粗犷、质朴、热情的特征；节奏上频繁的变换、切分和休止所造成的动力性、不平衡感,和声、调性上不谐和、不稳定范围的扩大,力度上大幅度的起伏等等,构成了贝多芬音乐那种强烈的感染力和宏篇巨制的气魄。在配器上,他显然受到法国大型器乐曲的影响,重视发挥铜管、木管的作用。乐队的编制和表现力也明显超过海顿、莫扎特时期。从海顿、莫扎特到贝多芬,主调和声风格在欧洲的主导地位达到完全的成熟和巩固。贝多芬是18世纪古典主义音乐的集大成者,同时,他又是浪漫主义音乐的开拓者。他音乐中的革命性因素,那种自由、冲动和戏剧性,都启发了19世纪的浪漫主义音乐的作曲家。
【《英雄交响曲》】贝多芬创作的第三交响曲,原题献给拿破仑,拿破仑称帝的消息促使作曲家为此曲重新命名。交响曲四乐章统一构思,确立了交响曲中史无前例的英雄性构思,第一乐章描写英雄在战斗中成长,第二乐章是葬礼进行曲,亦是贝多芬的独创,第三乐章为谐谑曲,第四乐章是凯旋进行曲式的终曲。全曲宏伟壮阔,是交响曲历史中里程碑式的作品。
【《命运交响曲》】贝多芬创作的第五交响曲,构建在四音的“命运动机”之上,作为整个交响曲的核心,“命运动机”在各乐章中反复出现,并加以变形系列惊心动魄的战斗场面在这个动机的衍伸中开展,表达了作曲家在战胜个人情感挫折和生理疾病苦痛绝望情绪后的决心—“我要同命运抗争,决不被它征服”。“命运交响曲”延续了“英雄交响曲”中的英雄形象和革命战斗精神,将交响曲的戏剧性推向最高峰。
【《田园交响曲》】贝多芬创作的第六交响曲,作曲家意欲表达乡间的乐趣在人心里所引起的感受,亲自为每一乐章加上文字说明:1.到达乡村时唤起的愉快感受;2.溪边景色;3,乡民欢乐的集会;4,雷电一暴风雨:5.牧歌一暴风雨后愉快和感激的心情。是最早的标题交响曲。
【《合唱交响曲》】贝多芬创作的第九交响曲,晚年唯一的交响曲作品。构思宏大,手法新颖,独创性地在纯器乐的交响曲中加入合唱,以德国诗人席勒的诗作《欢乐颂》作歌词,表达了作曲家对人类和平友爱欢乐境界的追求。
【《费德里奥》】贝多芬创作的唯一歌剧作品,采用法国大革命时期盛行的“拯救歌剧”题材:青年女子莱奥诺拉为解救被冤屈因禁的丈夫弗洛列斯坦,装扮成男子,化名费德里奥,潜入监狱与监狱长皮扎罗斗智斗勇,最终夫妻团聚。莱奥诺拉体现了具有高尚情操和自我牺牲精神的理想形象,反映了法国大革命所倡导的信念。贝多芬为此剧写作了4首序曲。
【《埃格蒙特》】贝多芬1809-1810年间为歌德的悲剧《埃格蒙特》所写戏剧配乐的序曲,戏剧描写了16世纪末率领佛兰德斯人民反抗西班牙统治而慷慨就义的埃格蒙特伯爵的英雄形象。序曲采用奏鸣曲式写作,以象征西班牙恐怖统治的主题和受奴役的荷兰人民苦难主题为对比,最终英雄的死亡激励人民走向自由。序曲的英雄性构思和胜利凯旋结局体现了贝多芬风格。
(19世纪20、30年代—20世纪初)
浪漫主义是19世纪欧洲艺术领域普遍存在的思潮和风格。浪漫主义音乐是随着浪漫主义文学而产生,形成于19世纪初浪漫主义音乐形成于法国大革命后的复辟与反复辟的特定历史时期。浪漫主义的作曲家在黑暗的社会现实下,失去了贝多芬式的英雄理想,他们强烈地渴望追求新的社会理想,阐发新的艺术主旨,表达自我感情色彩。浪漫主义音乐最显著的特征是注重个人情感的表达,音乐自由奔放,形式较少拘束,喜用抒情和描绘,强烈地表现个性。它的另一特征是重视音乐与其他姊妹艺术的结合,特别是与文学、戏剧、绘画的紧密联系,许多作品都趋向于标题性的构思。第三个特征是,浪漫主义音乐比任何时代都更注重音乐的民族性。音乐家们纷纷从民间挖掘创作素材,不仅引用民间音乐,还用民间传说、民族史诗为题材来表达自己的理想与愿望。19世纪中叶以后,各国的民族音乐派蓬勃发展。对于浪漫主义音乐时期内部阶段的划分,不同学者有不同的观点,有学者认为其阶段分为早期、中期、晚期,与之平行的是19世纪后半叶的民族乐派;有人认为应分为早期、中期、民族乐派与晚期,本书以从大多数学者的观点,将浪漫主义音乐分为三个阶段(当然,在时间、地域跨度、音乐风格的纵横向联系上,又很难准确明断):早期浪漫主义、民族乐派与晚期浪漫主义。19世纪上半叶为早期浪漫主义,以德、奥作曲家威柏、舒伯特、门德尔松、舒曼、瓦格纳、勃拉姆斯、约翰·斯特劳斯等人开其先河:而法国音乐、意大利音乐同是浪漫主义音乐潮流的重要地区。19世纪中叶,随着民族解放运动的展开,以前在政治、经济等都依附于西欧的北欧、东欧等国家(如俄罗斯、捷克、挪威、芬兰、罗马尼亚、西班牙、匈牙利等)形成了民族乐派。这些国家的音乐家纷纷收集民歌和其他民间音乐;从本国的民间音乐中挖掘创作素材,以本国的历史、传说、神话故事、自然风光等为题材写作音乐;用本民族的语言创作歌剧和其他声乐作品;广泛运用民间的音调,民间舞曲的节奏、调式等,以此强调音乐的民族性。它的一个重要结果是形成了具有不同民族特点的旋律、调式、和声与形式结构,出现了各种富有活力的崭新风格。19世纪八九十年代,整个欧洲出现了激烈的动荡和分化,社会矛盾不断加剧。各种各样的文艺思潮都卷入了“世纪末”的思想潮流。这时期出现晚期浪漫主义,其音乐内容和风格都有明显的变化,作曲家比以前更着力于音乐表现,这种表现不只是表达个人的主观情感体验,而常倾心于表现某种哲理思想,许多音乐作品都表现出悲观绝望的情绪。随着作曲家表现欲望的增强促进了音乐风格的演变。这一时期的音乐作品的戏剧性表现力大大加强,管弦乐队的编制趋向庞大,音响追求强烈的对比,出现了不少新的乐器(如英国管、钢片琴、低音大号等),增加了音响的色彩与厚度。钢琴作品也走向“乐队化”,音量、音色的幅度和范围不断扩大。声乐作品更加注重歌唱与伴奏的相互作用,艺术歌曲出现了用交响乐队伴奏的新形式,歌剧中管弦乐队的地位大大提高。晚期浪漫主义音乐特征在德、奥音乐中表现最为明显,代表作曲家有理查·斯特劳斯、玛勒等,而意大利真实主义歌剧则是其另外一种表现形态。此外,俄国的斯克里亚宾、拉赫玛尼诺夫等就音乐风格而言,也可归为晚期浪漫主义音乐的范围在具体创作风格和技术上浪漫主义音乐也有其明显的发展特色在旋律上,由于注重个人主观感受的抒发,抒情性大大加强,乐句结构的伸缩性很大。在和声上,它在功能和声的基础上加强了色彩变化,不协和音的结构和进行大胆使用,七和弦、九和弦经常出现,半音转调作为取得特殊效果的重要手段。在调性上,浪漫主义音乐仍然是以调性音乐为主,但由于半音和声和远关系转调的频繁运用,已有了调性含糊的感觉,到1世纪末,它慢慢向多调性和无调性方面发展。在配器上,作曲家着力于诗意形象的刻画,讲究音乐与内容的情感气氛交融,他们探索着各种乐器组合的可能性,取得绘声绘色的音响效果。在力度上,浪漫主义音乐作品的特色就是大幅度的力度转换和对比。
第二节 舒伯特与舒曼
【舒伯特】浪漫主义时期奥地利作曲家。主要创作集中在艺术歌曲领域, 作有600首艺术歌曲,被誉为“德奥艺术歌曲之王”,代表作有《鳟鱼》《野玫瑰》《菩提树》《魔王)及声乐套曲《美丽的磨坊女)等。写有9部交响曲,大量钢琴奏鸣曲和室内乐作品,并且创导了浪漫主义抒情钢琴小品如“音乐的瞬间”。
【舒曼】浪漫主义时期德国作曲家和音乐评论家。作有大量钢琴曲,如奏鸣曲幻想曲、《交响练习曲》,小品套曲《大卫同盟舞曲》《童年情景》《狂欢节》《蝴蝶》等,带有主观幻想因素;艺术歌曲套曲《桃金娘》《诗人之恋》《妇女的爱情与生活》与作曲家的生活感受有关。还写有4部交响曲、协奏曲和室内乐等。曾为《新音乐杂志》撰稿,提倡和推荐优秀作曲家的音乐。
【《美丽的磨坊女》】奥地利作曲家舒伯特1823年所作的声乐套曲。歌词选自诗人继勒的诗歌《磨工之歌》,讲述了一个青年磨工从孤独流浪,到工作失恋,最终自杀的故事。全曲由20首歌曲组成,代表歌曲有“流浪”“向小溪致敬”“磨工与小溪”“小溪的摇篮曲”等。
【《冬之旅》】奥地利作曲家舒伯特1827年所作的声乐套曲。歌词为德国诗人缪勒所作,描述了一个失恋者在冬日旅行中辗转复杂的心情。全曲由24首歌曲组成,代表歌曲有“晚安”“菩提树”“春梦”“街头艺人”等。
【《未完成交响曲》】浪漫主义时期奥地利作曲家舒伯特的《b小调第八交响曲》的别称,只有两个完整的乐章,第三乐章有草稿留下,是1822年为感谢格拉兹音乐协会选他为荣誉会员而题赠的作品,1865年被发现,在维也纳首演。关于该作品为何没有完成,众说纷纭。
【《仲夏夜之梦》】德国作曲家门德尔松为莎土比亚同名戏剧所作戏剧配乐。原剧情为:四位青年男女夜入仙林,被仙王奥伯龙的魔汁迷幻,恋情转移,同时仙后也因魔汁作用而爱上驴首怪人,最终迷情被解,恋人们相爱如初,仙王仙后也重归于好。门德尔松于1826年写作了序曲,1842年完成全部戏剧配乐,较著名的段落有“谐谑曲”“婚礼进行曲”“夜曲”。
第三节 门德尔松与肖邦
【门德尔松】浪漫主义时期德国作曲家、指挥家和音乐教育家。主要交响音乐创作有《“苏格兰”交响曲》《“意大利”交响曲》《仲夏夜之梦》序曲、《e小调小提琴协奏曲》等,始创浪漫主义钢琴小品新体裁“无词歌”,还写有清唱剧、艺术歌曲等。作为音乐教育家,创办了德国第一所专业音乐学院----莱比锡音乐学院。
【肖邦】浪漫主义时期波兰钢琴家和作曲家。创作几乎全部集中在钢琴音乐领域,作有玛祖卡、波罗乃兹、夜曲、前奏曲练习曲、圆舞曲谐谑曲、叙事曲、奏鸣曲、协奏曲等体裁共约200多首。他不仅深化丰富了钢琴音乐表现内涵,革新钢琴音乐体裁形式,而且对开拓推进浪漫主义钢琴音乐语汇贡献巨大。
【音乐的瞬间】规模较小的器乐曲,主要为钢琴独奏曲,由舒伯特首次运用他写有6首“音乐的瞬间”,浪漫主义晚期作曲家拉赫玛尼诺夫也写作过该体裁。114.无词歌按照歌曲体裁风格写作的小型器乐曲,常由歌唱性旋律和音型化伴奏织体组成,由门德尔松创立。他写有49首无词歌,有些带有标题,如“威尼斯歌”“春之歌”“纺织歌”等。
【夜曲】具有抒情气质的钢琴曲,旋律宽广婉转、优美如歌,创始人为爱尔兰作曲家约翰·菲尔德,他作有20首夜曲。浪漫主义钢琴夜曲在肖邦手中发展到顶峰,他扩大了夜曲的规模,使之能够表现更加深邃的内容,情感表现也从单一的“夜间抒情曲”发展到戏剧性与思想性兼有。
第四节 柏辽兹与李斯特
【柏辽兹】浪漫主义时期法国作曲家和音乐评论家。浪漫主义标题交响曲的形式确立者,代表作《幻想交响曲》,19世纪法国艺术歌曲体裁“melodia”的创始人。重要作品还有交响协奏曲《哈罗尔德在意大利》、戏剧交响曲(罗密欧与朱丽叶》、戏剧传奇《浮士德的责罚》歌剧《特洛伊人》和(本韦努托·切利尼》、序曲《海盗》等。作为出色的配器大师,著有(管弦乐法》。
【李斯特】浪漫主义时期匈牙利作曲家和钢琴家。始创浪漫主义标题音乐新体裁—一交响诗,以“主题变形”手法构建音乐,代表作有《前奏曲》《塔索》《马捷帕》等。19世纪著名的炫技钢琴演奏家,作有钢琴作品《旅游岁月)《匈牙利狂想曲》《超级练习曲》《音乐会练习曲》等。作品还有(“浮土德交响曲)(“但丁”交响曲》两部钢琴协奏曲、清唱剧《耶稣基督》等。
【《幻想交响曲》】法国作曲家柏辽兹创作的交响曲。构思来自作曲家的恋爱经历,因此作曲家亲自撰写了详细的文字说明,引导听众正确地理解乐曲的内容。交响曲共5个乐章,按照音乐表现的内容确定形式,曲中有个贯穿全曲各乐章的主题“固定乐思”,根据音乐表现的需要进行变化。此曲是标题交响曲历史上里程碑式的作品。
【《哈罗尔德在意大利》】法国作曲家柏辽兹创作的交响曲,受帕格尼尼之托写作,作品描写了贵族青年哈罗尔德游历的经历与感受,融入了作曲家本人漫游阿布鲁奇山的回忆。全曲四个乐章,由中提琴独奏的反复主题代表哈罗德尔的“固定乐思”。
第五节 晚期浪漫主义乐派
【马勒】浪漫主义晚期奥地利作曲家和指挥家。作有9部交响曲、采用中国唐代诗人诗歌为词的交响声乐套曲《大地之歌》、艺术歌曲套曲《旅人之歌》和《亡儿之歌》等,他发展并扩大了贝多芬、柏辽兹的声乐交响曲内涵,擅长以庞大的交响乐队表现包罗万象的内容,是卓越的19世纪德奥交响乐作曲家的最后一人。
【理查·斯特劳斯】浪漫主义晚期德国作曲家和指挥军。19世纪末重要的交响诗作曲家,他称之为“音诗”,题材来自文学、哲学及自传,作有《唐·吉诃德》《梯尔,欧伦施皮格尔愉快的恶作剧》《查拉图斯特拉如是说》《英雄的生涯》等,后半生写有歌剧《莎乐美》《埃莱克特拉》《玫瑰骑士》等,被公认为瓦格纳的后继者,音乐风格衔接了19世纪与20世纪。
【斯克里亚宾】浪漫主义晚期俄国作曲家和钢琴家。创作有《“神圣之诗”交响曲》《“狂喜之诗”交响曲》、10部钢琴奏鸣曲、大量其他钢琴作品。他的风格独树一帜,创用以不同四度音程叠加而成的新型和弦形式,被称为“神秘主义者”。
【拉赫玛尼诺夫】浪漫主义晚期俄国作曲家和钢琴家。3部交响曲和4部钢琴协奏曲是其创作核心,此外还有代表作音诗《死亡岛》、钢琴与乐队《帕格尼尼主题狂想曲》、钢琴前奏曲与音画练习曲等,音乐风格抒情忧郁,体现出典型的俄罗斯传统。
【《大地之歌》】马勒创作的交响声乐套曲,共6个乐章,采用中国唐代诗人李自,孟浩然、王维的(悲歌行》《春日醉起言志》和《送别》等诗歌为歌词,表达了作曲家对自然景象的描绘和人生意义的探求。
【《埃莱克特拉》】理查·斯特劳斯创作的歌剧。由剧作家霍夫曼斯塔尔根据古希腊悲剧作家索福克勒斯的同名剧作撰写剧本,剧情为:迈锡尼王阿伽门农的女儿埃莱克特拉与其兄弟共谋,将弑夫的母亲克莉泰姆内斯特拉与情夫杀死,为父亲报仇,事后埃莱克特拉狂舞而死。歌剧大量使用不谐和音与近于无调性的和声语言,预示了20世纪的某些技法。
【《查拉图斯特拉如是说》】理查斯特劳斯创作的交响诗作品,以尼采的同名哲学著作为依据,结合作曲家的理解,对人类与宗教和科学的关系,直至尼采的超人学说进行了解说,作品分为日出、行板和赋格三部分。
【《帕格尼尼主题狂想曲》】拉赫玛尼诺夫为钢琴独奏和交响乐队写作的大型变奏曲,主题来自意大利小提琴家帕格尼尼的小提琴独奏《随想曲》第24首,拉赫玛尼诺夫将它发展为主题和24个变奏,并结合中世纪的继叙咏《愤怒的日子》音调进行炫技装饰和发展,24个变奏可分为三组,具有奏鸣曲式的结构原则。
第六章浪漫主义时期的音乐（下）
第一节 浪漫主义时期歌剧
【韦伯】浪漫主义时期德国作曲家、钢琴家和指挥家。歌剧代表作《自由射手》《欧丽安特》和《奥伯龙》,钢琴曲《邀舞》是浪漫主义最早的标题钢琴曲之一。他的歌剧创作观念对瓦格纳影响很大。
【瓦格纳】浪漫主义时期德国作曲家。改革传统意大利歌剧,以“乐剧”的新观念影响了19世纪末期的音乐发展。他主张从古老的神话中汲取题材,音乐在每一幕中持续展现(无终旋律),以交响乐“主导动机”贯穿发展主题,人声演唱摒弃“宣叙调”与“咏叹调”之分而代之以“吟诵调”。浪漫主义歌剧代表有《漂泊的荷兰人》《唐豪塞》《罗恩格林》,乐剧”代表作有《特里斯坦与伊索尔德》与《尼伯龙根的指环》。
【古诺】浪漫主义时期法国作曲家。创作集中在歌剧和宗教音乐领域,代表作有歌剧《浮士德》和《罗密欧与朱丽叶等还作有弥撒曲、清唱剧和安魂曲。
【比才】浪漫主义时期法国作曲家。作有歌剧《采珠人》《卡门)、戏剧配乐《阿莱城姑娘》交响组曲《罗马》等。歌剧《卡门》以丰富的人物造型浓郁的异国风土情调和出色的音乐写作风靡全世界。
【奥芬巴赫】浪漫主义时期法国作曲家。19世纪法国轻歌剧的代表人物,一生创作轻歌剧近百首,代表作《地狱中的奥菲欧》和《美丽的海伦》等。
【罗西尼】浪漫主义初期意大利歌剧作曲家。一生创作歌剧约40部,包括正歌剧《谭克雷蒂》《奥赛罗》,喜歌剧《塞维利亚的理发师》《灰姑娘》《意大利少女在阿尔及尔》和大歌剧《威廉·退尔》。
【多尼采蒂】浪漫主义时期意大利作曲家,作有歌剧75部,代表作《拉美摩尔的露契亚》《宠姬》《爱之甘醇》《军中女郎)《唐·帕斯夸来》等。
【贝里尼】浪漫主义时期意大利作曲家,歌剧代表作为《梦游女》《诺尔玛)和《清教徒》,以写作气息悠长的抒情旋律而著称,受到肖邦等作曲家的推崇。
【威尔第】浪漫主义时期意大利作曲家,其歌剧创作代表了19世纪下半叶意大利歌剧的发展历史,在继承意大利歌剧传统的同时,兼收并蓄,吸取同时代歌剧革新的成果,极大增强了意大利歌剧的戏剧性。代表作《弄臣》《茶花女》《阿伊达》《奥赛罗》和《法尔斯塔夫》。
【普契尼】浪漫主义末期意大利歌剧作曲家,写有12部歌剧,主角多为遭受不幸的女性,如《蝴蝶夫人》《托斯卡》(艺术家的生涯》等,中国背景的《图兰多》是作曲家对大型场景的尝试。
【乐剧】德国作曲家瓦格纳革新后的歌剧种类。他认为这种歌剧是音乐与戏剧的统一体,体现了“整体艺术”的观念。他主张“乐剧”取材于神话,音乐连续发展,以“主导动机”贯穿发展音乐主题,人声演唱近似“通唱”,四联剧(尼伯龙根的指环》反映出乐剧的全部观念。
【大歌剧】19世纪法国歌剧体裁。特点为规模庞大,风格宏伟,多采用历史题材,常有豪华的布景、壮丽的芭蕾和合唱场景。梅耶比尔的《恶魔罗勃》达到19世纪大歌剧的顶峰,其他大歌剧作品还有瓦格纳的《黎恩济)、威尔第的《唐·卡洛斯》、罗西尼的《威廉,退尔》等。
【轻歌剧】19世纪法国歌剧体裁。它规模较小,轻快活泼,以浪漫情节为题材,音乐写作常采用流行曲调,带有讽刺滑稽的性质。代表作曲家为奥芬巴赫,他作有《地狱中的奥菲欧》《美丽的海伦》等轻歌剧。
【抒情歌剧】9世纪法国歌剧种类。规模介于大歌剧与轻歌剧之间,常采用浪漫主义文学题材写作,讲求真挚情感的表达。代表作有托马斯的《迷娘》、古诺的(《浮士德》和圣一桑的《参孙与达丽拉》。
【真实主义歌剧】19世纪末意大利的歌剧流派。规模小型,平铺直叙,强调真实地表现平凡生活中的琐事,情节激烈,具有民族特色。代表作为马斯卡尼的《乡村骑士》和莱翁卡瓦罗的《丑角》。
【威廉·退尔】意大利作曲家罗西尼的四幕歌剧,1829年在巴黎歌剧院首演。台本由剧作家儒伊根据席勒的同名戏剧撰写,描写了14世纪瑞士人民在威廉·退尔的领导下掀起推翻总督盖斯勒的起义。歌剧属于法园大歌剧类型。
【《塞维利亚的理发师》】意大利作曲家罗西尼创作的两幕喜歌剧,根据法国作家博马舍的戏剧撰台本,剧情为阿尔马维瓦伯爵爱上了巴尔托洛医生监护之下的罗西娜,在塞维利亚的理发师费加罗的帮助下,他成功挫败了医生拆散他们的企图。歌剧充满智慧与情趣,大段使用“罗西尼渐强”和“急口令”式的咏唱,终场重唱将戏剧推向发展的高潮。这是意大利古典喜歌剧的一部力作。
【《尼伯龙根的指环》】德国作曲家瓦格纳根据德国民间史诗《尼伯龙根之歌)创作的四联歌剧,由相对独立的4部歌剧《莱茵的黄金》《女武神》《齐格弗里德》和《诸神的黄昏)组成。歌剧讲述了围绕英雄齐格弗里德的身世展开的关于权势和爱情的争斗。音乐在200多个主导动机的基础上展开,声乐形式无“宣叙调”和“咏叹调”之分,由音乐化的吟诵和对白构成;剧中大量使用打击乐器和各种铜管乐器,被称为“铜管乐与打击乐的橱窗”。《尼伯龙根的指环》体现了瓦格纳乐剧的最高成就。
【《阿依达》】意大利作曲家威尔第创作的埃及背景的法国大歌剧作品,剧情讲述埃塞俄比亚公主阿依达被掳至埃及后,她与埃及将军拉达梅斯的爱情与爱国利益间的冲突,最终二人共同殉情。歌剧有效运用“主导动机”对人物性格心理进行刻画,并有许多出色的明段,如“圣洁的阿质达”“祝你凯旋归来”等。
【卡门】法国作曲家比才取材于浪漫主义作家梅里美同名小说的歌剧,叙述了一个爱情悲剧:军官唐·何塞爱上美丽放荡的吉卜赛女郎卡门,不但舍弃未婚妻,且加入卡门的走私团伙,但卡门很快移情于斗牛士艾斯卡米洛,绝望的唐·何塞杀害了卡门。歌剧题材探讨了爱情中激情与理智的关系,具有现实意义,人物刻画栩栩如生,西班牙风情浓郁咏唱形式多以西班牙的歌舞音乐构成,如“哈巴涅拉”“塞吉迪亚”等,是一部长演不衰的歌剧。
【《蝴蝶夫人》】意大利作曲家普契尼创作的歌剧作品,剧情大意为:驻日美国军官平克顿娶日本少女巧巧桑(蝴蝶夫人)为妻,三年后,平克顿携新婚美国妻子返日预领走蝴蝶夫人所生之子,蝴蝶夫人忍痛应允后引颈自刎。歌剧音乐在普契尼典型的意大利抒情风格中缀以日本旋律,充满异国情调,受到世人喜爱。
第二节 浪漫主义民族乐派
【布鲁克纳】浪漫主义时期奥地利作曲家。幼年在圣弗洛里安修道院任唱诗班歌童并学习管风琴,30岁时任林获大教堂管风琴师,44岁后任教于维也纳音乐学院。作有10部交响曲,弥撒曲、感恩赞和诗篇歌等教堂音乐。他的交响曲本质是宗教性的,严肃沉穆、虔敬深邃,融合了至咏、众赞歌及奥地利民间音乐的素材,并交汇了巴赫、贝多芬和瓦格纳的风格影响,篇幅巨大,曲式独特,主题推进极具管风琴特性,是作曲家对于坚定信仰的深刻自白。
【沃尔夫】浪漫主义奥地利作曲家,以歌曲创作为主,并担任维也纳《沙龙书页》杂志音乐评论。写有《艾兴多夫歌曲集》《莫里克歌曲集》《歌德歌曲集》《西班牙歌曲集》《意大利歌曲集》,管弦乐《彭特利西亚》和歌剧《市长》等作品,是19世纪末最卓越的德语艺术歌曲作者。
【格林卡】19世纪俄罗斯民族乐派首领。歌剧《伊凡·苏萨宁》和交响幻想曲《卡玛林斯卡娅》分别开创了俄罗斯民族歌剧和俄罗斯交响音乐。
【五人团】1860年前后形成的俄罗斯作曲家群体,包括巴拉基列夫、居伊鮑罗廷、穆索尔斯基和里姆斯基柯萨科夫五人。他们高举格林卡旗帜,采用俄罗斯民族民间文学和历史题材,运用民族民间音乐语汇,写作富于民族特性的音乐作品,代表作品有:巴拉基列夫的交响诗(塔珂拉和钢琴幻想曲(伊斯拉美》,鲍罗廷的歌剧《伊戈尔王)和交响音画《在中亚细亚草原上》,穆索尔斯基的歌剧《鲍里斯,戈杜诺夫)和钢琴组曲(国画展览会》,里姆斯基柯萨科夫的歌剧《金鸡》和交响组曲《舍赫拉查德》等。
【柴科夫斯基】9世纪俄罗斯作曲家。创作丰沛,涉及交响乐、戏剧音乐、标题音乐、室内乐、独奏和独唱音乐各领域,将俄罗斯民族素材与西方专业作曲技巧完美地结合。代表作有6部交响曲(如《第六交响曲“悲怆”)1部歌剧(如《叶甫盖尼·奥涅金》《黑桃皇后》)3部芭蕾舞剧(如(天鹅湖》)标题序曲(如《罗密欧与朱丽叶》)等。
【斯美塔那】19世纪捷克民族乐派奠基人。创作有歌剧管弦乐、室内乐和歌曲等。歌剧《被出卖的新嫁娘》《里布舍》是捷克民族歌剧的杰作;交响诗套曲《我的祖国》热烈讴歌了爱国主义情怀。
【德沃夏克】19世纪捷克民族乐派作曲家。创作遍及声乐与器乐的各个领域。作有9部交响曲(如《第九交响曲“自新大陆”》)、11部歌剧(如《水仙女》)40多首室内乐(如钢琴三重奏“杜姆卡”)、以诗人爱尔本的叙事诗集《花束集》为题材写作的交响诗(如《金纺车》)等。曾在美国任职,部分作品体现出黑人和印第安人音乐的影响。
【格里格】19世纪挪威民族乐派作曲家。创作集中在艺术歌曲、钢琴曲和管弦乐领域。代表作有独奏钢琴曲集《抒情曲集》、管弦乐组曲《培尔·金特》霍尔堡组曲》。
【西贝柳斯】19世纪芬兰民族乐派作曲家。主要创作领域为交响音乐。音诗《芬兰颂》表达了芬兰人民反抗异族侵略的决心;根据民族史诗(卡聊瓦拉)写作了标题音乐《列明凯宁四传奇》《波约拉的女儿》和(塔皮奥拉》等;7部交响曲为纯音乐交响曲。
【《鲁斯兰与柳德米拉》】俄罗斯作曲家格林卡创作的五幕歌剧,台本根据普希金的同名叙事诗编写叙述了剧情:基辅大公之女柳德米拉被魔鬼所掳,大公允诺将女儿许配给救出她的勇者,最终骑士鲁斯兰救出柳德米拉与之成婚。歌剧创造了典型的俄罗斯音乐风格,是俄罗斯歌剧史上重要的代表作,其序曲为交响音乐会的常演曲目。
【《卡马林斯卡娅》】俄罗斯作曲家格林卡创作的交响幻想曲,以一首乡村婚礼歌曲和首民间舞曲“卡马林斯卡娅”为主题,写作了双主题变奏曲,并融入了民族化的支声复调手法,为后世俄罗斯交响音乐创作树立了典范。
【《图画展览会》】俄罗斯作曲家穆索尔斯基创作的钢琴组曲。1874年观看画家哈特曼的遗作展览会有感而写,对其中的十幅绘画进行了描写,如“侏儒”“牛车”“未出壳的小鸡芭蕾”“鸡脚上的小屋”“基辅大门”等,全曲由一个“漫步”主题贯连,也表达了观者的感受。法国作曲家拉威尔的管弦乐版本使之名遐世界。
【《舍赫拉查德》】俄罗斯作曲家里姆斯基柯萨科夫创作的交响组曲。根据阿拉自民间文学(一千零一夜》的故事创作,但组曲的四个乐章仅描绘了其中四个场景,且乐章间故事没有关联。全曲有两个贯穿始终的主题,一是象征残暴的苏丹王的主题,一是象征美丽的舍赫拉查德的主题。作品以富于异国情调的色彩性和绚丽超群的配器法著称。
【(伊戈尔王)】俄罗斯作曲家鲍罗廷创作的四幕歌剧作品,根据古代史诗《伊戈尔王远征记)写作,叙述12世纪时,伊戈尔公爵远征钦察汗国,被波洛维茨人俘获的故事。这部歌剧显示出作曲家强烈的个性特征,被认为是俄罗斯民族乐派的重要代表作,剧中第二幕的波洛维茨舞常单独演奏。
【《叶甫根尼·奥涅金》】俄罗斯作曲家柴科夫斯基创作的三幕歌剧,根据普希金的同名长诗撰脚本,剧情大意为:贵族青年奥涅金拒绝了钟情于他的塔姬雅娜的求爱,而向塔姬雅娜的妹妹奥尔加献殷勤,在与奥尔加的爱人连斯基的决斗中击毙了连斯基。奥涅金远走他乡若干年后返回,在舞会上重逢塔姬雅娜,求爱不成悻悻离去。歌剧以抒情的笔调,对人物进行了细腻透彻的心理性格描绘,是作曲家富于特色的心理歌剧。
【《黑桃皇后》】俄罗斯作曲家柴科夫斯基创作的三幕歌剧,由作曲家之弟莫杰斯特根据普希金的小说撰台本,剧情为:青年军官赫尔曼与莉莎相爱,赫尔曼为获取赌牌必赢的秘诀,将莉莎的祖母老伯爵夫人吓死,伯爵夫人的鬼魂示以他赢牌的秘诀,令他倾其所有押牌,最终一败涂地在“黑桃皇后”上,赫尔曼绝望而死。歌剧严谨缜密,主题贯穿发展的交响化手法娴熟,并运用了大量俄罗斯音乐素材,有较强的吸引力。
第七章 二十世纪时期音乐
【德彪西】法国印象主义音乐的代表作曲家。创作的主要作品有:管弦乐《牧神午后》《大海》《夜曲》,钢琴作品《前奏曲集)《版画》《贝加莫组曲》歌剧《佩里亚斯与梅丽桑德》等,德彪西的音乐从旋律、节奏、和声到曲式及配器都试图摆脱传统束缚,启示了20世纪作曲家的创作技法。
【拉威尔】法国作曲家和钢琴家。与德彪西同为20世纪法国音乐的代表,创作受到西班牙民间音乐和俄罗斯乐派的影响,和声与曲式在传统基础上富于个性,配器技法炉火纯青。代表作有芭蕾舞剧《达芙妮与克罗埃》、管弦乐曲《西班牙狂想曲)、钢琴曲《水之嬉戏》等。
【勋伯格】美籍奥地利作曲家,20世纪音乐巨人之一。与其门生贝尔格、韦伯恩一起被称为“新维也纳乐派”,成为十二音作曲法的开山鼻祖。生创作分为四个时期,涵盖了自调性音乐到序列音乐的几个流派,代表作有弦乐六重奏《升华之夜》、配乐诵唱《月光下的彼埃罗》歌剧《摩西与阿伦》、康塔塔(《一个华沙幸存者》等。
【韦伯恩】奥地利作曲家,与贝尔格同为勋伯格的学生。他运用十二音技术创作,手法精炼,将一些看似孤立的音乐素材,按复杂的对位和节奏型有机结合,虽作品结构微小,但极具表现力。作品多为简洁短小的室内乐曲和歌曲,预示了整体序列音乐的观念,对20世纪后半叶作曲家有很大启示。
【斯特拉文斯基】美籍俄罗斯作曲家和钢琴家。其创作体裁广泛,艺术风格涉足20世纪的重要流派。早期创作了具俄罗斯民族风格的芭蕾舞剧《火鸟》《春之祭》,1920年至1951年间以芭蕾舞剧《普尔契内拉》《管乐八重奏)和歌剧《浪子的历程》等作品成为“新古典主义”的旗帜人物,晚期转向十二音音乐创作,代表作为舞剧《阿贡》。斯特拉文斯基是20世纪最有影响的作曲家之一。
【欣德米特】美籍德国作曲家、指挥家、中提琴演奏家和理论家。创作倾向于无调性但非十二音体系,风格涉足广泛,主要为“新古典主义”,代表作为歌剧《画家马蒂斯》、舞剧《最尊贵的显圣)、钢琴曲集《调性游戏》等,是“实用音乐”的倡导者。
【雅那切克】捷克作曲家。生于摩拉维亚,是民歌的热情收集者,最初以《摩拉维亚民歌集》闻名,而其国际声誉主要系于歌剧,包括《耶奴法》《卡佳·卡巴诺娃》《死屋手记》,其他代表作品还有交响诗《塔拉斯·布尔巴》、钢琴曲《在簇叶丛生的小径上》。
【埃尔加】英国作曲家。早年以写作合唱曲著名,管弦乐曲《谜语变奏曲)和清唱剧《杰隆修斯之梦》树立了他作为一流作曲家的声誉。音乐风格极为个性化,以色彩化配器见长,情感表达丰沛热烈,形成独特的”埃尔加风格”。
【沃恩·威廉斯】英国作曲家。20世纪上半叶复兴英国音乐的重要作曲家,英国尺族音乐的杰出代表,创作受到德彪西拉威尔的影响,同时强调本土音乐素材的运用,作品丰富,主要有9部交响曲、管弦乐《塔利斯主题幻想曲》《绿袖子幻想曲》等。
【布里顿】英国作曲家。年少时从布里奇学习音乐,1945年因歌剧《彼德·格莱姆斯》的上演确立国际声誉。主要音乐成就在声乐音乐方面,除歌剧《比利·巴德》《旋螺丝》外,还有清唱剧、合唱曲和大量歌曲,管弦乐作品较出名的有《安魂交响曲》《青少年管弦乐队指南》等。创作风格以传统音乐风格为基础,融合20世纪各派之长。
【格什温】美国作曲家和钢琴家。早年写作大量流行歌曲和音乐剧,钢琴与爵士乐队演奏的《蓝色狂想曲》奠定了他作为专业作曲家的地位,其他代表作还有交响诗《一个美国人在巴黎》、歌剧《波吉与贝丝》(古巴序曲)等,他将西方传统音乐与美国流行音乐语汇相结合,对将爵土音乐带进艺术音乐领域、提高美国音乐的国际地位做出积极贡献。
【科普兰】美国作曲家、指挥家和评论家。运用美国地方语言写作的舞《阿巴拉契亚的春天》(小伙子比利》《牧场竞技》和配乐诵唱《林肯的像》使之成为美国民族乐派的代表人,1950年代后转向十二音技法作品的创作。同时他是美国现代音乐教育的倡导者,著有几本论著。
【梅西安】法国作曲家和管风琴家。少年时曾从杜卡斯和迪普雷学习作曲和管风琴,青年时为“青年法兰西小组”成员。创作风格十分独特,音乐语言采用各种声音元素—鸟语、印度音乐、素歌、东方打击乐、巴托克的夜乐等,迥异的元素被他融合成为协调的整体。主要作品为《图伦加利拉交响曲》《(时间终结四重奏》、钢琴曲《圣婴十二默想》等。
【萨蒂】20世纪法国作曲家,学习于巴黎音乐学院。作有芭蕾舞剧《炫技游行)《松弛》,交响戏剧《苏格拉底》,管弦乐曲《玩偶匣中的杰克》大量钢琴曲,如《玄秘曲》《梨形曲》《裸体舞曲》等。音乐风格辛辣讽刺,与印象主义形成鲜明对比。早期倾向新古典主义,二战后趋向超现实主义,是法国“六人团”的先驱。
【普罗科菲耶夫】前苏联作曲家。早年在圣彼得堡音乐学院师从利亚多夫和里斯基柯萨科夫,一战后旅居国外,创作与西方现代音乐广泛联系返苏定居后,积极参与祖国音乐建设,音乐语言力求通俗明晰。创作车富,代表作品有:歌剧《战争与和平》《三桔之爱》,芭蕾舞剧《罗密欧与朱丽叶》《灰姑娘》,康塔塔《亚历山大·涅夫斯基》、交响童话《彼得与狼》及7部交响曲。
【肖斯塔科维奇】前苏联作曲家。毕业于圣彼得堡音乐学院,《第一交响曲)就为他赢得世界声誉,曾因歌剧《姆钦斯克县的马克白夫人》受到批判但历史证明他是20世纪最杰出的苏联作曲家之一。主要作品为15首交响曲和15首弦乐四重奏,其中的《第七交响曲“列宁格勒”》反映了苏联人民反法西斯战争的史实,在国内外享有盛誉,其他代表作还有清唱剧《森林之歌》、舞剧《黄金时代》、钢琴曲《24首前奏曲与赋格》等。
【第二维也纳乐派】以奥地利作曲家勋伯格和他的学生贝尔格及韦伯恩为代表的表现主义作曲家群体,又被称为“新维也纳乐派”。师徒三人都出生于维也纳,并且在音乐创作中彻底瓦解17世纪运用以来的调性体系,创用“十二音体系”的全新作曲法,使他们在20世纪作曲家中居于领先地位。
【六人团】1920年成立于法国的青年作曲家团体,受到萨蒂和科克托的艺术理想的影响,反对印象主义,强调音乐的简朴理性明快,具有日后新古典主义音乐的基本特征。成员包括米约、奥涅格、普朗克、奥里克、杜雷和塔耶弗尔,其中前三人尤为重要,代表作有米约的歌剧清唱剧《克里斯托大,哥伦布》和奥涅格的交响诗《太平洋231》等。